L’immagine sulla copertina di uno dei libri più importanti per la mia formazione è un frame tratto da un film del 1933, Ecstasy. Una giovane donna si lascia trasportare lentamente dalla corrente di un fiume, completamente nuda. Il suo seno emerge, ben evidente agli occhi di chi guarda. Quella donna è Hedy Lamarr, che all’epoca si chiamava ancora Hedy Kiesler. Aveva diciotto anni ed era destinata a diventare una delle attrici più affascinanti di Hollywood — e, più tardi, una scienziata pioniera della tecnologia delle comunicazioni. Era bastata la partecipazione a questo film — e in particolare a due scene: quella del bagno nel fiume e quella in cui il suo personaggio simula un orgasmo — per rovinarsi la reputazione e compromettere la sua carriera. Scene che, tra l’altro, non furono pienamente consensuali, dato che il regista le aveva assicurato che non si sarebbe visto nulla. 

Sono passati quasi cento anni, e il seno femminile continua a essere percepito come qualcosa da gestire con cautela. Alla donne viene chiesto di mostrarlo, senza ostentarlo; di coprirlo, ma senza cancellare ciò che rappresenta. È proprio da qui — dal paradosso di un corpo tanto visibile quanto vigilato — che prosegue la nostra riflessione attorno ai miti che hanno contribuito a sedimentare una certa idea di femminilità. 

Se guardiamo indietro nel tempo ci rendiamo conto che ciò che oggi diamo per scontato in passato non lo era affatto. Per esempio, se chiedessi a una persona nata negli anni Ottanta di immaginare una donna provocante è probabile che il suo pensiero corra a Jessica Rabbit, la procace moglie del coniglio Roger, che il regista Robert Zemeckis e i suoi sceneggiatori hanno rappresentato con un seno esplosivo e gambe lunghissime. Il film è del 1988, ma ambientato alla fine degli anni Quaranta— un dettaglio non secondario. All’epoca, infatti, erano proprio le gambe l’elemento più erotizzato del corpo femminile. Le gambe, più delle curve del petto, facevano immaginare, desiderare, trasgredire gli spettatori.

Come ricorda la scrittrice Sarah Thornton nel volume Tette, «tra il 1942 e il 1951 Betty Grable è stata l’attrice più pagata d’America (…) così celebrata per le sue gambe che la 20th Century Fox le ha assicurate per un milione di dollari». Ma qualcosa cambia negli anni Cinquanta, quando il seno inizia a guadagnare centralità nell’immaginario erotico. È in questo contesto che esce una commedia destinata a diventare un film cult: Gli uomini preferiscono le bionde. Nella locandina promozionale, Tony Curtis e Jack Lemmon — travestiti da Josephine e Daphne — sorreggono Marilyn Monroe, che strizza l’occhio verso la camera. La composizione dell’immagine è precisa: i seni di Marilyn sono esattamente all’altezza degli occhi dei due attori. Una scelta tutt’altro che casuale. Quel fotogramma fissa una nuova gerarchia visiva: lo sguardo maschile si allinea con il petto, non più con il volto.

Questa progressiva centralità del seno non avviene per caso. Negli stessi anni, il latte artificiale comincia a comparire sugli scaffali dei negozi e a ricevere l’approvazione di pediatri e riviste specializzate. Il seno, svuotato della sua funzione primaria di nutrimento, diventa sempre più disponibile come oggetto sessuale. Thornton osserva che «la gerarchia sociale legata al latte artificiale riflette la stratificazione sociale associata alla sessualizzazione del seno». Il corpo non è mai neutro, nemmeno nel desiderio. Secondo il rapporto Kinsey, alla fine degli anni Quaranta quasi l’88% degli uomini con un’istruzione universitaria dichiarava di entrare in contatto con il seno della partner durante il rapporto sessuale, contro appena il 33% degli uomini senza diploma. Ciò suggerisce che anche l’erotizzazione del seno non è un fatto universale né istintivo, ma un comportamento appreso, mediato dal contesto culturale, economico e formativo di riferimento.

A partire dalla seconda meta del XX secolo, il mondo occidentale ha cercato di trasformare l’ossessione americana per i seni grandi in una sorta di norma globale, quasi fosse una legge di natura. Attraverso il cinema, la pubblicità e il porno, si è consolidata l’idea che il seno debba essere tondo, sodo, abbondante — un tratto desiderabile a prescindere da contesto, cultura, storia personale. Tuttavia, questa estetica non ha attecchito ovunque. Al di fuori dell’Occidente, l’erotizzazione del seno segue percorsi diversi, a volte marginali, a volte del tutto assenti. In molte culture asiatiche, per esempio, l’attenzione si concentra su altri elementi del corpo: la nuca, le mani, la pelle. Lo stesso vale per alcune popolazioni dell’America Latina. Il fatto che in certi ambienti si possa camminare a petto nudo senza che ciò generi scandalo ci ricorda che il legame tra seno e sessualità non è affatto universale, ma culturale — e quindi modificabile.

Nonostante l’ossessione visiva che circonda il seno femminile nella cultura occidentale, mostrarlo apertamente continua a essere un gesto controverso, spesso censurato, quasi mai neutro. Nel 2013, Facebook ha rimosso alcune immagini tratte dal documentario Free the Nipple, diretto dall’attrice e attivista Lina Esco. L’intervento ha generato proteste immediate e reso virale l’hashtag omonimo, presto adottato da studenti e studentesse dei campus universitari americani e sostenuto da celebrity come Rihanna e Miley Cyrus. Le manifestazioni hanno indubbiamente contribuito a sollevare un problema che va oltre la semplice visibilità: il modo in cui il corpo femminile viene codificato, sorvegliato, tradotto in norme estetiche e morali. In questa stessa direzione, l’artista Micol Hebron ha ideato un progetto tanto semplice quanto efficace: ha fotografato capezzoli maschili, li ha trasformati in adesivi digitali e li ha resi disponibili come “pasties” da sovrapporre ai capezzoli femminili nelle immagini, in modo da aggirare la censura delle piattaforme. L’operazione, ironica e politica allo stesso tempo, ha messo in evidenza l’assurdità di una distinzione normativa basata su pochi centimetri di pelle. Il messaggio era chiaro: non è il capezzolo in sé a scandalizzare, ma il genere del corpo a cui è attaccato. 

Questa sorveglianza visiva è accompagnata da una forma più sottile ma altrettanto pervasiva di censura linguistica. Se Kate Lister, nel suo volume Sesso, ha raccolto centinaia di espressioni gergali usate nei secoli per riferirsi agli organi genitali o alle pratiche sessuali, Sarah Thornton fa notare come, quando si parla di seno, il lessico si impoverisca drammaticamente. In inglese si oscilla tra boobs, tits, rack, più variazioni sul tono che sul significato. E la situazione peggiora se ci si sposta ancora più nel dettaglio. Non esistono infatti sinonimi per indicare i capezzoli, a meno che non ci si addentri nel linguaggio tecnico del mondo della moda e della lingerie, dove i produttori li chiamano semplicemente “apici”. Il termine serve anche a spiegare il senso stesso dei reggiseni, che nascono infatti per contenere, modellare, e soprattutto velare gli apici, mantenendoli invisibili sotto i vestiti. Ciononostante, negli anni, alcune artiste hanno consapevolmente ribaltato questa logica. Madonna, per esempio, con i suoi celebri reggiseni conici disegnati da Jean Paul Gaultier, ha trasformato lo strumento di contenimento in un dispositivo funzionale a metterli in evidenza: i capezzoli, anziché sparire, venivano messi in scena, resi arma estetica e dichiarazione d’intenti.

In italiano la situazione non è molto diversa: il termine colloquiale “tette” (o “bocce”, nelle sue infinite varianti dialettali) si alterna a quello più medico, neutro e distante di “seno”. Ciò in qualche modo conferma, piuttosto che risolvere, l’ambivalenza culturale che ancora grava su questa parte del corpo: troppo erotizzata per essere normale, troppo normale per essere davvero libera.

Nonostante il tentativo di rimozione, contenimento e sorveglianza dei capezzoli — visiva, linguistica, simbolica — c’è chi ha scelto di riportarli al centro del discorso. I capezzoli sono magici è il titolo di un capitolo del volume Pleasure Activism, curato da adrienne maree brown. Qui, l’autrice racconta in prima persona la scoperta del proprio piacere, l’importanza di riconoscere i capezzoli come fonte di connessione, energia, desiderio. Ma non si tratta solo di esperienza individuale: per brown, il piacere è una pratica politica, un diritto radicale, soprattutto per chi vive nei margini della società — persone nere, queer, trans, disabili. Il corpo, scrive, è un archivio di storie, ferite e trasformazioni. Rivendicarlo, toccarlo, celebrarlo significa sottrarlo alla logica del controllo e restituirlo alla possibilità. I capezzoli — che la cultura dominante vuole o nascosti o sessualmente disponibili — diventano, nel suo discorso, portali di consapevolezza e libertà. Mostrarsi senza vergogna, nominare il proprio piacere, abitarlo senza chiedere il permesso: non si tratta di una liberazione intima o narcisistica, ma di un gesto collettivo, che implica cura, ascolto e riscrittura delle relazioni. Il seno, in questa prospettiva, smette di essere solo superficie erotica o oggetto di valutazione estetica: torna a essere sensibile, vivo, plurale. Un punto del corpo che può far ridere, piangere, sentire, guarire. Un nodo affettivo e politico insieme.

Nel tempo, le tette sono passate da strumenti di nutrimento a oggetti di valutazione, da appendici del corpo a simboli da esibire, da parti intime a superfici pubbliche. Intorno a loro si sono costruite regole, fantasie, divieti. Hanno, sempre, attirato sguardi che – come sappiamo ormai dagli studi di Laura Mulvey degli anni Settanta – non sono mai neutri. Riconoscere come si guarda — e da dove — è un modo per capire cosa ci è stato insegnato sul corpo, sul desiderio, sul potere. E su chi ha il diritto di mostrarsi, o di essere visto, e a che condizioni. Il seno non è solo una questione estetica, né un tabù da spezzare: è una soglia. Racconta come siamo cresciute, cosa ci è stato detto e cosa abbiamo interiorizzato. Ripartire da lì — dal linguaggio che manca, dalle immagini che ritornano, dai corpi che non rientrano negli standard — significa provare a fare spazio a una femminilità meno prescritta e più vissuta. Indubbiamente reale.

Questa sono io (Woman Of) di Małgorzata Szumowska, Michał Englert con Małgorzata Hajewska-Krzysztofik, Joanna Kulig, Bogumila Bajor, Mateusz Wieclawek è in uscita nelle sale il 29 maggio distribuito da I Wonder Pictures. Guarda qui il trailer e trova qui la sala più vicina a te.

Per noi nati troppo tardi da poter godere appieno dei benefici del Novecento e troppo presto per essere nativi digitali, le televisioni private erano quanto di più vicino all’anarchia di internet e dei contenuti che offre. È su Antenna Sicilia, alla fine degli anni Novanta, che ho scoperto l’esistenza di un anime giapponese dal titolo Ranma ½. Troppo esplicito per finire sulle reti Fininvest, troppo poco educativo per passare dalla Melevisione, Ranma ½ si guardava un po’ di nascosto. La storia di questo ragazzo che, una volta a contatto con l’acqua calda, si trasformava in una bellissima ragazza, creando scompiglio nel villaggio, era percepito come ambiguo, proibito. In realtà, nel suo modo di raccontare ciò che oggi definiremmo «fluidità di genere», era estremamente libero, soprattutto agli occhi di chi aveva ancora addosso poche sovrastrutture che ne filtrassero il senso.

Non credo sia un caso che negli anni prima della pubertà ci travestiamo con disinvoltura da personaggi immaginari senza che questa cosa sia ricoperta da strati di ironia. È negli anni in cui si guardano i cartoni animati che anche il genere, parola che oggi fa da arma nucleare nel campo di battaglia delle guerre culturali, si flette, cambia, si adatta a seconda dell’esigenza: giocando con i miei coetanei, avrei dato qualsiasi cosa pur di essere come Ranma e diventare maschio. Niente, per ciò che ricordo di quella fase della mia vita, mi suggeriva che ci fosse vergogna nel volersi immaginare con un’altra forma, sensazione del tutto opposta a quella che invece accompagna l’adolescenza nella graniticità dell’affermazione della propria identità. Del resto, crescere vuol dire indurirsi, non solo nelle cartilagini che diventano ossa, ma anche nei pensieri che si cristallizzano e si trasformano in opinioni, limiti, pregiudizi. «Riuscirai a chiamarmi Ariela?» chiede la protagonista di Questa sono io, il film di Malgorzata Szumowska e Michal Englert, a sua madre, dopo che per molti anni, o meglio decenni, è stata Andrzej. La risposta ovvia, in un sistema di valori che ammette la libertà dell’autodeterminazione, è sì. Quella che ottiene Ariela, invece, è molto distante dall’agilità con cui si dà per scontato che la propria identità possa mutare. 

Paragonare il desiderio di un bambino o di una bambina di cambiare abiti e giocare a vivere nelle convenzioni estetiche del genere opposto, come fa la protagonista di Questa sono io nella prima parte del film, a una disforia di genere è chiaramente un’esagerazione. Immedesimarsi nella sensazione di gioia e completezza che prova una persona costretta a vivere con un nome e un sesso che non è il suo e che finalmente può sentirsi libera di essere chi vuole, invece, è un esercizio semplice se ci sforziamo di ricordare tutte le volte in cui l’elasticità dei nostri pensieri ci ha concesso di immaginarci altro dal modo in cui siamo percepiti. Questa sono io racconta quarant’anni della vita di una persona che, partendo da un’infanzia in cui indossare lo smalto per le unghie e rubare qualche abito da donna sembrava solo un modo per giocare, ha capito gradualmente non solo che il corpo con cui era nata non era il suo, ma anche che il mondo che la circondava non avrebbe fatto niente per aiutarla a diventare ciò che desiderava. È la storia di un pensiero facile da comprendere, se osservato con lo strumento dell’immedesimazione narrativa, che si scontra con la durezza di un rifiuto incomprensibile. O meglio, perfettamente comprensibile se lo collochiamo nella sfera dei divieti e degli ostacoli che si frappongono tra la felicità di chi sente di essere Ariela nonostante sia nata Andrzej e la sua realizzazione. 

L’argomento è scivoloso. Tutto ciò che riguarda le persone transgender, dai percorsi psicologici a quelli farmacologici, dai diritti negati al linguaggio appropriato da usare è potenziale materiale di scontro. Chi non lo vive in prima persona difficilmente può capirlo, così come chi strumentalizza questa realtà nella maggior parte dei casi non ha idea di cosa comporti un percorso di transizione, se non in una versione stereotipata e superficiale. La YouTuber Natalie Wynn, sul suo canale di approfondimento filosofico e politico ContraPoints, ha spesso parlato della sua transessualità raccontando le miriadi di sfaccettature che la transizione comporta, anche in termini teorici: se un comico intelligente come Ricky Gervais crede che si possa paragonare la disforia di genere con il volersi sentire uno scimmione, come in una sua famosa battuta su Caitlyn Jenner, vuol dire che la consapevolezza della complessità di un percorso simile è davvero bassa, e che il senso stesso del dark humor, che risiede nella cura del dettaglio, viene sacrificato in favore della trivialità. Cosa succede, allora, in Questa sono io, se le tappe e le emozioni sono rappresentate con la lunghezza necessaria a capire la profondità di una storia simile? 

Succede che la rigidità del pensiero adulto lascia spazio alla morbidezza dell’infanzia, in cui anche noi persone cisgender ci siamo lasciati guidare dalla fluidità. Succede che, nella storia di Andrzej, che lotterà tutta la vita per essere Ariela, contro la sua famiglia che non la accetta mai davvero, contro il governo polacco, contro gli ostacoli materiali che incontra, dai farmaci costosissimi ai medici che sottovalutano il suo disagio, vediamo una trasformazione. Non solo quella di una persona, ma anche quella di un paese che passa dal comunismo al capitalismo, tra gli anni Ottanta e il presente, con i murales Solidarność e il volto di Wojtyla che aleggia alle spalle dei protagonisti. Una trasformazione che, come prova la vicenda di Ariela, è parziale, incompleta. La libertà che dovrebbe accompagnare il futuro e il riconoscimento dei propri diritti non è universale, e la vita che Ariela vorrebbe vivere per essere ciò che sente di essere da quando è bambina ma che ha potuto cominciare a esprimere solo da grande è il prodotto di una società che ancora non accetta la sua diversità, tra burocrazie ostili e irrisione dal mondo circostante. 

Ariela osserva la sua vita dall’alto, arrampicandosi su trespoli che le consentano di guardare la piccola città di provincia in cui nasce e cresce senza che questa guardi lei. Quando scende, gli altri si accorgono che esiste: moglie, figli e amici comprendono, seppur con grande difficoltà, la natura del suo disagio, proprio perché conoscono l’interezza della sua storia. Conoscono i colori trasognati e sfumati dei suoi primi anni di giovinezza, il passaggio a quelli più scuri che avvolgono un’età in cui lo scontro con la realtà della sua inadeguatezza diventa anche un ostacolo per la vita sociale e il lavoro. La vita di Ariela in Questa sono io è un racconto delicato e infantile di una trasformazione dolorosa che prende tutto il peggio di un’età adulta lastricata di barriere. Noi spettatori, per capirla, siamo chiamati a pescare da quei sentimenti leggeri e malleabili che ci hanno fatto credere, in un altro momento della nostra vita, di poter essere chi volevamo, proprio come Ariela e chi come lei desidera poter vivere in un altro sé stesso per poter essere sé stesso.

Autofiction. Al solo sentire questa parola c’è ormai chi ribolle sulla sedia. C’è chi cerca una via di fuga, chi si strappa i capelli, chi tirerebbe fuori la rivoltella. E chi, semplicemente, si rifiuta di leggere. O al contrario, c’è chi non chiede altro, nient’altro che gettarsi in pasto all’esperienza altrui, nient’altro che calarsi come uno stafilococco nelle cellule recondite e in frammenti di vite intime scritte e descritte, con il desiderio di imparare qualcosa da mettere a frutto nella propria. Una cosa è certa. Negli ultimi anni il mercato editoriale ha al tempo stesso assecondato e nutrito l’interesse dei lettori per una forma espressiva virtuosa ma difficile da onorare, che raggiunge i suoi picchi letterari grazie ad autori come W.G. Sebald – dei suoi saggi narrativi il grande Pietro Citati diceva «Nessuno aveva il suo dono fondamentale: trasformare la vocazione metafisica in scienza naturale e la scienza naturale in vocazione metafisica» – o da Emmanuel Carrère, abile come pochi altri a immergersi compatto in specifici universi di senso – che si tratti di religione, di atti terroristici o della psiche di un assassino – per poi riemergere dischiuso, germogliato, grazie a una capacità di mimesi e di analisi fuori dal comune.

Anche in Italia gli esempi virtuosi con diverse interpretazioni non mancano, dal primo Walter Siti a Emanuele Trevi, dal Paolo Giordano di Tasmania ad Antonio Franchini, ma il problema principale delle mode è da sempre l’approssimazione che contraddistingue la riproducibilità su larga scala, e i tanti, troppi testi iscritti all’anagrafe del genere più amato del momento non sempre centrano l’obiettivo minimo della rilevanza. Come hanno sottolineato in molti, scrittori e critici, l’ipertrofia dell’io narrante si è cimentata negli ultimi anni su un’infinità di storie di dolore, di malattia, di maternità e paternità, quasi che l’assunto di base sia sofferenza uguale diritto a scrivere, come se l’esperienza di per sé costituisse una chiave d’accesso all’arte.

Ma che la scelta espressiva di un autore ricada sul memoir, sull’autofiction esplicita o sul romanzo di finzione in cui l’io imperversa e coincide in larga parte con la vita di chi scrive, alla fine è sempre il connubio tra stile e contenuto, tra qualità della scrittura e dell’elaborazione del pensiero a rendere un’opera significativa, la visione di mondo, non la semplice aderenza a un modello di tendenza o di successo.

In questo quadro, Donnaregina di Teresa Ciabatti, uscito da poco per Mondadori, si staglia nella direzione giusta, lampeggia come un Ufo (accostamento non casuale), e distaccandosi da ogni aspettativa ordinaria del lettore o da ogni pregiudizio. È un mise en abyme della genesi del libro che il lettore sta leggendo, con l’autrice penna del Corriere della Sera su temi culturali, sul costume, sull’adolescenza o intenta a intervistare VIP della società dello spettacolo di colpo teletrasportata a intervistare Peppe Misso detto ‘O nasone, uno dei boss più potenti e sanguinari in almeno tre decadi di camorra partenopea, sulla cui coscienza gravano almeno centocinquanta morti ammazzati. 

Nei lunghi mesi di gestazione – l’intervista si centuplicherà in un libro autobiografico che Misso decide di volerle affidare – l’autrice vive la sua vita, una vita quotidiana borghese, fatta di avvenimenti ordinari, come un trasloco e il bisogno di curare la carriera, e poi all’improvviso è stretta nella morsa di pericoli topici, come la malattia della migliore amica e le tendenze suicidarie della figlia. 

Ma in Donnaregina, la visione di mondo e l’universalità, che a mio parere sono il vero punto d’arrivo di una narrazione in autofiction, esplodono per contrasto nell’opposizione tra questa vita ordinaria, comune, di chi scrive, e la vita inimitabile del boss Misso, che rifiuta in toto i codici borghesi per obbedire a codici diversi, interni all’ambiente in cui O’ nasone è cresciuto. Codici che obbediscono ad assoluti come onore, orgoglio, machismo, irriducibilità di fronte alla volontà altrui, consapevolezza ed esaltazione della finitudine. E poiché Ciabatti ha attraversato negli anni tutte le forme espressive legate all’io, è con lei che voglio addentrarmi nei meandri della scrittura-testimonianza.

Teresa, in Donnaregina ho trovato una sorta di montaggio ejzenstianiano, attrazioni tra due vite inavvicinabili, dal cui attrito tra opposti viene fuori quello che Zanzotto chiamava il fatto nuovo, il cortocircuito tipico della poesia. È stata per lei una costruzione cercata, mirata trovata in corso d’opera?
In principio il rapporto tra biografia di Giuseppe Misso e voce narrante era tutto a favore di Misso. Ho impiegato anni a trovare la misura tra le parti attraverso un lavoro di sottrazione e di montaggio. Solo scrivendo e riscrivendo ho capito che la sfera privata della giornalista doveva prendere il sopravvento sulla storia di Misso in una specie di assorbimento graduale – mai rispecchiamento. La morte reale che mette in ombra la morte narrata. L’emergenza, la necessità di vivere, che vince sulla contemplazione. Per scrivere questo romanzo ho tenuto a mente una definizione di Cesare Garboli su Natalia Ginzburg: «Un’azione piratesca», «un anticorpo che uccide i bacilli narrativi». Lui parla de Le piccole virtù, ma descrive perfettamente anche Caro Michele.

Nell’autofiction spesso entrano in gioco le vite delle persone care o vicine ai protagonisti. È una sorta di furto. In Donnaregina per esempio è palpitante la vicenda di Camilla, la figlia della voce narrante, e di M., la sua migliore amica. Come ha vissuto queste appropriazioni?
La protagonista di Donnaregina, come quella de La più amata e di Sembrava bellezza, non è esattamente me. Piuttosto una proiezione mai idealizzata. Questo personaggio, ammesso che sia lo stesso per i tre libri e non credo, è più una tipologia umana, un carattere, ebbene questo personaggio è l’accumulo di mie parole non dette e di miei gesti non fatti.Fin da ragazza immaginavo quel che vivevo con esiti diversi, mettendo in un scena una me più intrepida e sfacciata. La trasformazione a cui sottopongo me stessa la applico anche agli altri personaggi, le mie perciò non sono appropriazioni, piuttosto rielaborazioni, il più delle volte invenzioni. Mio marito non è professore universitario. Mia figlia non ha ventitré anni.

Lei si è espressa con successo nella fiction pura (che poi contiene sempre a mio avviso inscindibili momenti di autoanalisi e autobiografia), che differenze trova con la forma espressiva adottata in Donnaregina?
A un certo punto ho sentito il bisogno di essere più disturbante. Parlare in prima persona è stato un mezzo, così come la scrittura quasi confidenziale che dà l’idea di una confessione intima. A quella forma io arrivo con fatica – sottrazioni, riscritture, ripetizioni ossessive, nessi saltati. È la forma, insieme al tono, che dà la sensazione al lettore di compiere un’intromissione. Questo cercavo. In futuro non so.

I lettori sempre di più si avvicinano ai libri con l’ottica di utilizzare l’esperienza altrui a scopo di insegnamento, quasi per capire qualcosa di più di sé? È d’accordo? Cosa serve a un’opera testimoniale per essere un altrove utile all’arricchimento del lettore? O non le interessa questo aspetto?
Un’opera per me deve testimoniare il presente, nel contenuto o nella forma. Il resto non conta. L’idea dell’arricchimento, l’ambizione di voler arricchire il lettore è narcisistica, di più: sconfina nell’abuso di potere.

Influisce secondo lei sull’esplosione dell’autofiction nel mercato editoriale la tendenza nata ed esplosa su internet di fare delle proprie esperienze, anche le più insignificanti, un modo di rapportarsi al pubblico? Perché siamo così interessati alla vita degli altri?
Non credo all’autofiction, ma alla postura da autofiction. E dunque al romanzo che usa le maniere dell’autofiction.

In che modo è riuscita a sospendere il giudizio? Avere di fronte a sé un uomo come Misso di certo pone anche questioni morali sui perimetri invalicabili della scrittura, se esistono. In che modo ha affrontato la questione e com’è riuscita a risolverla?
Per indagare la natura umana è necessario conoscere la persona che ti trovi davanti senza condizionamenti. Io ho conosciuto un uomo gentile, paziente. Buon padre, marito impeccabile. Come il Giuseppe Misso del presente, quello che ho incontrato io, si concili con il superboss del passato è il romanzo.

La realtà è un campo d’indagine sempre controverso e a mio parere Donnaregina testimonia proprio questa apparente lontananza fra mondi che poi entrano in collisione. La scrittura di questo libro in che modo ha modificato il suo approccio al reale?
C’è una frase che Misso scrive nel suo libro, I leoni di marmo: «Se prendi un bambino di Napoli e lo porti in Inghilterra, imparerà l’inglese, se prendi un bambino inglese e lo porti nei bassifondi di Napoli, imparerà il linguaggio della strada». All’inizio mi pareva una giustificazione posticcia. Ma incontrando Misso, scrivendo di lui, ho capito il vero significato di quelle parole, ho visto l’indicazione contenuta: allargare lo sguardo al contesto. Ossia considerare tempo, luogo, condizioni sociali e molto altro. Misso entra in carcere per la prima volta a 14 anni. Finisce al Filangeri per un furto in un negozio di elettrodomestici. Quello che vive in carcere e che lui racconta come normalità sono torture. Un ragazzo che subisce quelle torture per mesi, anni, quando esce ha bisogno di un sistema che lo aiuti a reinserirsi, necessita di un mondo che gli mostri altre possibilità. Se questo non c’è, se fuori c’è solo la strada, diventa complicato scegliere altro – ecco il bambino di Napoli.

Chi scrive in prima persona sta in realtà cercando di fare i conti con la propria vita?
Per me scrivere è innanzitutto ricordare male.

Da quando esiste, raccontare come si fa cinema è uno degli aspetti fondamentali del cinema stesso. Negli ultimi anni hanno così sempre più assunto rilevanza le storie e le vite di chi il cinema lo scrive, ovvero gli sceneggiatori. Del resto fare cinema, come sosteneva Mario Monicelli, era il ripiego di chi non era stato in grado di di diventare uno scrittore. Così come più volte ha ribadito anche Woody Allen definendosi più che un regista un romanziere mancato, anche se proprio questo settembre il regista newyorkese (ora che non gira più film) esordirà con il suo primo romanzo, Che succede a Baum? in corso di pubblicazione in Italia da La nave di Teseo. 

La figura dello sceneggiatore sembra riassumere al meglio la follia e la frustrazione di chi ha dato corpo con le sue parole al mito del cinema da Hollywood fino a oltreoceano, vivendo nell’ombra e spesso dovendo cedere al narcisismo dei registi quali celebrati geni assoluti della scena. Così la riscoperta con il film Mank del 2020 diretto da David Fincher della figura di Herman J. Mankiewicz quale sceneggiatore di Quarto potere e parte integrante del successo del capolavoro di Orson Welles, ha riaperto un po’ il dibattito su quelli che sono i mestieri del cinema e il ruolo di chi spesso dietro le quinte permette ai registi come agli attori di mettere realmente insieme le parti di cui è composto un film. Spesso centinaia di persone che per il pubblico vivono nei pochi secondi in cui i loro nomi compaiono come piccole scritte che scorrono velocissime sul grande schermo nei titoli di coda. 

Di tutte queste persone lo sceneggiatore rappresenta un po’ la sintesi perché è colui che scrive il film dandogli corpo, ma è anche colui che vede quel corpo mutare a seconda delle scelte del regista. Una figura dunque di collegamento tra la parola e l’immagine, ma anche spesso un capro espiatorio che riesce a reggere il colpo solo ingoiando amaro e spesso bevendo non poco alcol. 

Un mondo che per lungo tempo è stato quasi sempre ad appannaggio di autori maschi, ma è in quel quasi che s’inseriscono alcune straordinarie sceneggiatrici, per l’Italia basti citare Suso Cecchi D’Amico di cui ora Einaudi grazie alla cura di Caterina D’Amico e Francesco Piccolo porta in libreria La fortuna di esser donna. Senza di lei buona parte del grande cinema italiano del Novecento semplicemente non esisterebbe. 

E per gli Stati Uniti non può non essere chiamata in causa Eleanor Perry, che seppe restituire ai lettori americani un’autobiografia in forma di romanzo che a oggi racconta come pochi altri testi letterari la fatica di lavorare in mondo di maschi (oltre che la loro congenita stupidità) e l’incredibile assurdità del mondo del cinema sempre in disperata tensione tra trionfo e dramma. Un testo pienamente letterario e ricchissimo di sorprendenti intuizioni. 

Delle varie stesure che compongono l’elaborazione di una sceneggiatura cinematografica, quella riportata su pagine di colore azzurro è l’ultima, quella definitiva. Era infatti abitudine a Hollywood nei vari passaggi di rettifica e modifica del testo di utilizzare pagine colorate per ogni stesura. E Pagine azzurre (Sur) è il titolo del romanzo di Eleanor Perry che, tradotto empiricamente da Marco Rossari, mette al centro il lavoro di una sceneggiatrice, Lucia Wade alter ego non troppo celato dell’autrice del romanzo.

Eleanor Perry è stata infatti una delle più importanti sceneggiatrici americane tra gli anni Sessanta e Ottanta: candidata all’Oscar nel 1962 e vincitrice di un Emmy nel 1966 per l’adattamento cinematografico di A Christmas Memory di Truman Capote e nel 1972 per The House Without a Christmas Tree. Sposata con il regista Frank Perry, Eleanor ha condiviso e spesso diviso meriti e successi, fino al divorzio avvenuto nel 1971. La separazione porterà l’autrice a un nuovo percorso di consapevolezza oltre che di indipendenza. 

Se il legame con il marito aveva favorito l’avvicinamento di Eleanor Perry alla scrittura cinematografica, al tempo stesso Perry si era però vista relegata come autrice in un cono d’ombra, dentro al quale le sue qualità venivano solo in minima parte riconosciute. L’ambiente cinematografico, sopratutto a Hollywood, rifletteva infatti le discriminazioni di genere tipiche della società americana degli anni Sessanta, ma con una ferocia e un cinismo tipici di un ambiente di lavoro che non solo era maschilista, ma lo rivendicava consapevolmente come un merito e un diritto pienamente acquisito. 

E non fu un fatto semplice e scontato per Eleanor Perry riuscire così a ritagliarsi un ruolo comunque centrale nell’industria cinematografica, dovendo anche scontare un divorzio che aveva in quegli anni in particolare, evidenti implicazioni professionali. Perry acquisì in ogni caso fama e successo, partecipò ai movimenti femministi e fu anche protagonista di una contestazione, al Festival di Cannes nel 1972, contro il manifesto (poi ritirato) di Roma di Federico Fellini in cui appariva una donna posizionata come la Lupa capitolina.

Pagine azzurre mostra oggi, forse ancora più di quando fu pubblicato per la prima volta nel 1979, la forza di una testimonianza forte e radicale sul far cinema e sul prezzo pagato dalle donne che vi lavorarono, ma ha anche soprattutto un’insita qualità letteraria assolutamente non banale. Perry offre una profonda ed efficace capacità di raccontare quel rapporto complicato e spesso violento che intercorre tra donne e uomini, e lo fa con l’ironia e la sagacia di chi ha uno sguardo disincantato come resistente.

Ambientato negli anni Sessanta, Pagine azzurre descrive un momento cruciale per Hollywood, probabilmente allora al massimo del suo splendore, anche se già apparivano evidenti le prime incrinature che ne mineranno radicalmente la struttura produttiva e non, almeno fino al rinnovamento che prenderà corpo nel decennio successivo. 

Un sistema, quelli degli anni Sessanta proposto da Hollywood, dunque datato e ancorato a dinamiche sia industriali che narrative ormai totalmente superate. Un’industria cinematografia e dell’immaginario ancorata a una visione delle relazioni di genere del tutto simile a una qualunque industria pesante o attività commerciale dell’epoca. Un aspetto che segnalava un’evidente incapacità di cogliere nella società, seppur tra molte contraddizioni, un cambiamento necessario oltre che doveroso e in parte già in atto.

Lucia Wade, la protagonista del romanzo, affronta durante le sue giornate di lavoro una totale mancanza di considerazione. Da parte degli uomini – suoi colleghi – che la circondano più che altro di attenzioni non richieste e poco professionali. Nel migliore dei casi viene considerata paternalisticamente come una figlia, ma mai come una collega o come dovrebbe essere una socia in affari.

Quella che Perry mette in scena è una lotta estenuante e l’autrice la descrive con chirurgica precisione. Porta sulla pagina, cioè, che cosa significa essere donna in un mondo di soli uomini in cui il potere non viene condiviso mai, nemmeno nominalmente. Anche solo ottenere una targa con il titolo di coproduttrice resta infatti un obiettivo assolutamente irraggiungibile per Lucia, impresa epica descritta da Perry in pagine tanto ironiche quanto disperate.

Lucia Wade scrive, pensa e progetta film mentre attorno tutto sembra muoversi solo per denigrare ed elidere il suo lavoro. Wade si trova così costretta ad adoperare un cinismo che non vorrebbe esprimere. Una forma di conformazione al sistema deprimente e dolorosa.

La narrazione si sviluppa in chiave di commedia, senza però che i toni o le usurpazioni vengano ammorbidite o mimetizzate, ma anzi per esaltare il ridicolo di un maschilismo ottuso e stupido. Pagine azzurre potrebbe essere già una pellicola di Billy Wilder con Walter Matthau e Shirley MacLaine. Tuttavia Perry riesce a dare al racconto una dignità molto più precisa di quello che avrebbe potuto fare lo stesso Wilder, comunque immerso in un brodo culturale maschile e in parte anche maschilista da cui difficilmente si sarebbe potuto emancipare pienamente. 

Il campo di gioco dentro al quale è costretta Eleanor Perry resta infatti radicalmente opposto alla visione del mondo che lei vorrebbe proporre. Solo una grande lucidità letteraria e una straordinaria capacità inventiva le ha permesso di tradurre una sofferenza enorme in ironia. Una vera e propria dichiarazione d’amore per il cinema e per la sua scrittura. Oggi il mondo del cinema è cambiato, ma evidentemente ancora non ancora sufficientemente per lasciarsi certe storie alle spalle. Leggere Pagine azzurre è uno stimolo per le nostre coscienze quanto una sorprendente scoperta letteraria che merita spazio e lettori. Perché il cinema non è mai solo il cinema in sé, è la vita raccontata su uno schermo che tocca e colpisce alle volte felicemente altre volte dolorosamente, una storia da cui nessuno può sentirsi escluso.

È il 16 marzo 2025 e sto per correre la mia seconda maratona, quella di Roma. Siamo quasi in trentamila, ammassati nelle griglie di partenza intorno al Colosseo. Mentre saltello sul posto per difendermi dal freddo mi guardo intorno e mi viene da farmi una domanda: cosa spinge trentamila persone a svegliarsi alle cinque del mattino nell’ultima domenica d’inverno e correre per quarantadue chilometri e centonovantacinque metri? È una domanda che ha molte risposte, nessuna esatta, tutte confutabili. Soprattutto ognuno ha le sue. Ciò che posso fare quindi è cercare di spiegare cosa spinge me.

La prima risposta che riesco a darmi ha un che di bizzarro. In realtà non rientra neppure tra i motivi principali che mi spingono a partecipare a una maratona, ma nel più ampio discorso che voglio affrontare ha comunque un suo rilievo. La corsa è l’unico sport che permette di presentarsi al via (gareggiare mi sembra un termine esagerato) insieme a dei professionisti. Non avrò alcuna possibilità di batterli e neppure di avvicinarmi ai loro tempi, ma correrò sulle loro stesse strade, fermandomi agli stessi ristori, passando per gli stessi punti di cronometraggio intermedi che cronometreranno anche loro. È un po’ come scendere in campo con la nazionale di calcio durante una partita dei mondiali, ma senza fare danni.

Il lato agonistico, che pure per molti esiste, per me non è una priorità. E se lo è, lo è solo per gli aspetti che riguardano la competizione con me stesso, la tensione al miglioramento, l’esplorazione delle possibilità. Ma c’è qualcosa di più importante. Nel mio caso non so bene se correre per così tanti chilometri rientri più nella categoria sport, psicologia, filosofia o perfino letteratura. Ogni attività sportiva è un miscuglio di discipline disparate. Ma nella corsa le componenti non sportive entrano in gioco in misura maggiore. Perché correre in fondo è un gesto umano primordiale. Una volta ho sentito un allenatore porre una domanda a una platea: “Il bambino impara prima a correre o a camminare?” La platea rispose compatta: “Camminare”. Al che lui replicò: “Sbagliato. Se osservate un bambino che compie i suoi primi passi vi accorgerete che il motivo per cui mette un piede davanti all’altro è che quello è l’unico modo che ha per evitare di spiaccicarsi con la faccia sul pavimento. Esattamente ciò che fa la corsa”. In effetti la corsa è questo: uno sbilanciamento del corpo in avanti, controllato e continuo, che produce movimento. In altri termini: la corsa è un’eterna caduta che non si realizza mai. Una delle principali ragioni per cui mi trovo al chilometro zero di quarantadue, quindi, è che mi piace cadere molto a lungo.

Non sarà un caso se tra i parametri biomeccanici che un corridore deve tenere d’occhio quando corre ci sia la cadenza, ossia il numero di passi al minuto. L’etimologia lo fa derivare dal latino cadentia, participio neutro plurale di cadĕre, quindi “l’insieme delle cadute”. Un corridore con una buona tecnica di corsa si dice che cada in media centottanta volte al minuto. Considerato che per completare la maratona correrò per quattro ore, faccio un calcolo veloce e stimo che oggi cadrò quarantatremila e duecento volte.

Tutto ciò assomiglia moltissimo a certi sogni in cui sogniamo di precipitare, per poi destarci di soprassalto. Si dice che in quei casi il brusco risveglio sia un espediente evolutivo che si è sviluppato dall’antica abitudine umana di dormire sugli alberi, una specie di allarme messo in atto dal nostro cervello per evitare di piombare giù dal ramo. L’interpretazione psicologica per questo tipo di sogni richiama paure difficili da controllare, senso di vulnerabilità e insicurezza. Tutte cose di cui effettivamente soffro. In ogni caso amo l’idea che correre sia un lungo sogno continuamente interrotto e alimentato dalla mia mancanza di stabilità.

Ha scritto un poeta russo: «Ti ringrazio, o Signore, per la dolcezza del respirare» (Valerij Brjusov, La preghiera). Correre per quarantadue chilometri significa anche sperimentare un altro modo di respirare. O forse no, il respiro è sempre quello. A cambiare è la consapevolezza, il modo in cui un atto naturale viene riposto in un sistema più vasto, molto più vasto di me. Perché inspirare ed espirare non sono solo due momenti di uno stesso gesto che all’interno della fisiologia umana garantisce la sopravvivenza del mio corpo. Sono soprattutto i due principi che regolano l’universo. Il battito del cuore, il moto ondoso, l’esplosione di una supernova, il Big Bang stesso, ogni cosa rientra in questa dualità. Contrazione ed espansione. Un tempo, quando correvo, pensavo, pensavo troppo, e immerso com’ero in tutto quel pensare il mondo smetteva di essere il mio elemento. Così correvo raggrinzito tra le pareti della mia mente, con il risultato che presto finivo per sfiancarmi. Ciò aveva ripercussioni anche sulla prestazione. Non era soltanto un rovello interiore, era qualcosa che aveva degli effetti misurabili.

Ora invece quando corro non penso a niente. Vivo come al di là della vita. Mi lascio andare a certe piccole epifanie, come rendermi conto all’improvviso che si può allentare i muscoli della faccia, distendere un certo nervo del piede, dimenticare di possedere la lingua, gli occhi, le unghie. Contraggo e rilascio continuamente, faccio parte dell’universo oscillante e ogni nuova inspirazione è una palingenesi.

Quattro mesi fa ho corso la mia prima maratona. Quattro mesi non sono abbastanza per dimenticare, ma se penso a quella maratona non ho ricordi nitidi. Perché quando corro si spegne tutto, dentro e intorno a me. Non è una semplice corsa la mia, è un volo a occhi chiusi. Conservo lampi di volti sconosciuti a bordo strada, uccelli in traiettoria radente, il disegno pavimentale delle strade del centro di Firenze, uomini in giacca che escono dalla hall di un albergo di lusso, corridori sfiancati con le mani sulle ginocchia, lampi, lampi, lampi attraverso un tempo in cui non sono praticamente esistito, in cui mi sono tramutato in un animale in corsa senza coscienza, storia, interiorità, discernimento, una pura macchina organica il cui unico intento è lesinare energia per non cedere.

Tutto questo è bello? Divertente? Sano? Non so, non posso dirlo. So che invecchiando la corsa diventa sempre più simile al sonno: un vuoto dolce e imprescindibile in cui la vita si dissolve.

A questa tendenza all’amnesia contribuisce la concentrazione, certo, ma anche una chiusura caratteriale che dalla vita mi porto nella corsa. Io quando corro non parlo con nessuno, nemmeno in gara, rispondo solo ai rari saluti che mi rivolge qualche spettatore a bordo strada. Non tanti a dire il vero, ma è una cosa che mi capita spesso. Gli sconosciuti faticano a rivolgermi la parola, forse per via di un’espressione respingente che ho stampata sulla faccia mio malgrado. Sono un solitario, questo è certo. Mi sento perfettamente solo anche correndo insieme a trentamila persone. Faccio caso anche a questo nella griglia di partenza della maratona di Roma. La corsa per me è il corrispettivo di uno spazio calmo, uno di quei luoghi sicuri in cui le persone possono attendere assistenza in caso di emergenza. Nel mio caso l’emergenza, il terremoto, l’incendio, è la vita stessa.

Spesso collochiamo le idee, le sensazioni, i concetti, in un luogo, e tingiamo quel luogo di un colore, di una luce, e li rendiamo visibili. Sono luoghi secondari della nostra vita, posti frequentati magari una volta sola, cent’anni fa. Ecco. Da bambino avevo una grande cassa in giardino in cui tenevo i miei giochi. La cassa era sul retro, dove non si andava quasi mai. Quando penso alla corsa mi viene in mente quell’ala disabitata del giardino. Per me la corsa è collocata nella stessa luce turchese che sfumava verso l’arancio (quella parte del giardino dava a ovest, dove il cielo al tramonto diventava un’immensa buccia d’albicocca). Lì mia madre stendeva il bucato. Quando corro, la corsa è un lenzuolo azzurro che si muove come un lago.

La sfilata di tecno-oligarchi inchinati all’insediamento di Trump ha portato varie persone ad abbandonare piattaforme come X o i social di Zuckerberg alla ricerca di lidi meno simpatizzanti per le destre estreme. Ne ha scritto Tiziano Bonini, facendo notare come già da prima l’ascesa dei social si sia trasformata in un lento assorbimento del lavoro culturale e creativo a vantaggio di algoritmi e meccaniche di profitto. Arianna Ciccone, dal canto suo, ha annunciato l’uscita di Valigia Blu da Facebook e Instagram, esemplificando un ulteriore passo verso la costruzione di spazi più autonomi e liberi dalle logiche dell’attuale potere.

Anzitutto è bene chiarire che non è mai esistita né probabilmente può esistere una struttura politicamente “neutra”. Negli attuali periodi di crisi però, oltre al consueto meccanismo algoritmico atto a tenerci incollati agli schermi, nei social sono aumentati dei filtri politicamente partigiani. Moltissimi utenti hanno lamentato cripto-censure mirate su specifici temi – come i contenuti a favore della Palestina, spesso bloccati o retrocessi nel ranking – così come il rilancio mediatico concesso a specifiche figure politiche. Se la Silicon Valley ha finora flirtato con i governi liberali, si è ora palesemente disposta a stringere patti con chiunque sia il padrone di turno, a maggior ragione se promette minori regolamentazioni e ampi margini di guadagno. Succede dunque che, da un giorno all’altro, le policy sulla moderazione dei contenuti vengano riconsiderate a favore delle istanze della destra vincente e che ciò venga giustificato con un richiamo distorto alla libertà di espressione.

Il risultato è una miscela di disincanto e risentimento che sta spingendo alcuni giornali e vari utenti a prendere decisioni alternative: ridurre la presenza su questi canali, avviare newsletter indipendenti, riscoprire blog e mailing list. La fuga, però, è tutt’altro che semplice. Anzitutto perché tardiva, considerato che le dinamiche precedenti non erano affatto ideali e anzi, la differenza talvolta si nota a malapena. Come ha sottolineato Ciccone il problema non è tanto il fact-checking annullato da Meta (strumento che a mio parere era estremamente difettoso e problematico, non esistendo alcuna forma di oggettività nel controllo) o la scelta di rimuovere programmi di politiche DE&I, ma il modo in cui una svolta ideologica reazionaria rischia di trasformare i social in un efficace strumento di propaganda. Credo però che la trasformazione potrebbe essere meno vistosa di quel che si teme, perché i social nascono da esigenze reali, che, se venissero troppo disilluse, porterebbero al fallimento della piattaforma. In altre parole, nessun social può rinunciare al pubblico non di estrema destra.

Una migrazione comunque è parzialmente in atto, anche se più che altro è una duplicazione. C’è ad esempio chi – come me – ha provato ad aprire account su Mastodon o Bluesky. La curiosità si è però presto scontrata con barriere di usabilità e carenza di massa critica, due fattori che hanno sempre determinato, nel bene e nel male, la fortuna di un social. Mastodon, per esempio, rivendica un’interessante struttura federata e open source, ma la frammentazione delle istanze e una certa complessità tecnica rischiano di trasformare la novità in un fastidio per chi cerca un approdo più user friendly. Bluesky, annunciata come un “Twitter buono”, presenta scarsissime innovazioni e un’utenza sparsa che fatica a ricostruire la vitalità del feed cui eravamo abituati. Non basta dunque la buona volontà, e neanche un’etichetta “etica” o “anti-establishment”: i social, per natura, si alimentano di reti ampie e condivise, di dinamiche che soddisfino esigenze comuni e non solo rivendicazioni di principio. Se il solo elemento propulsivo rimane la fuga da un certo ambiente politico, alla fine ci si ritrova in spazi molto ristretti: abbiamo invece bisogno di parlare anche a chi non la pensa esattamente come noi e non sente la necessità di cambiare social solo per motivi etici. Persino Threads non è esploso, perché seppur forte del trasferimento quasi coatto dei suoi utenti, ha una portata innovativa pressoché nulla.

È dunque preferibile rinunciare del tutto ai social? Ultimamente spopola il lavoro di Jonathan Haidt, che nei suoi libri – come il recente La generazione ansiosa – sostiene un legame diretto tra l’uso dei social e l’aumento di ansia, depressione e fragilità psicologica nei più giovani, soprattutto nelle ragazze. L’idea, per riassumere, è che piattaforme come Instagram o TikTok creino un circolo vizioso di confronti continui e dipendenza da approvazione esterna, generando un crollo di autostima e benessere emotivo: addirittura una “grande riprogrammazione” dei cervelli. Candice Odgers, sulle pagine di Nature, ha però messo in guardia rispetto alle semplificazioni di Haidt: non tutti sperimentano le stesse ricadute negative, e attribuire ogni problema ai social potrebbe farci dimenticare condizioni più importanti (per esempio, precarietà economica, discriminazioni, difficoltà familiari). «Questo libro» – scrive Odgers – «venderà probabilmente molte copie perché racconta una storia spaventosa sullo sviluppo dei ragazzi, una storia che molti genitori sono pronti a credere. Ma l’idea che le tecnologie digitali stiano letteralmente “riprogrammando” il cervello dei nostri figli e causando un’epidemia di malattie mentali non è supportata dalla scienza. Anzi, può distrarci dal trovare soluzioni valide alle vere cause della crisi di salute mentale che colpisce i giovani». In effetti, come scrive la neuropsicologa Tiziana Metitieri, che dell’argomento se ne è occupata diffusamente su Valigia Blu, quello dell’ansia è un marketing che funziona commercialmente molto bene.

Anche la psicologa Amy Orben, in un articolo intitolato al “ciclo di Sisifo” che circonda le nuove tecnologie, evidenzia come ogni allarme finisca per ripetersi ciclicamente nel corso della storia, che si tratti di radio, televisione o smartphone. Nel suo lavoro, Orben sottolinea che questi timori sono ben radicati nelle opinioni pubbliche e nelle agende politiche, generando periodicamente grandi investimenti in ricerca e dibattito normativo, con un forte bias verso gli effetti negativi. In questo modo, spiega Orben, si rallenta l’adozione di misure concrete che possano rendere le tecnologie effettivamente vantaggiose per la società: a forza di guardarle come il male assoluto o, viceversa, di glorificarle ciecamente, si disperdono le energie necessarie per trovare soluzioni equilibrate.

C’è poi una recente ricerca di Walter Quattrociocchi e colleghi, apparsa su Nature, che analizza l’evoluzione delle conversazioni online in un lunghissimo arco temporale, dai tempi di Usenet fino alle piattaforme contemporanee. I dati raccolti mostrano come le stesse tendenze alla polarizzazione, al linguaggio tossico e ai conflitti ricorrenti si ripresentino immutate nonostante il passare degli anni e il cambiare degli ecosistemi digitali. Lo studio rileva inoltre che la presenza di dibattiti accesi, con sentimenti contrastanti tra gli utenti, è di per sé un fattore che stimola l’intensità e la durezza del confronto, senza però dissuadere realmente i partecipanti. In pratica è lo stesso comportamento umano, con la sua tendenza a schierarsi e rafforzare identità di gruppo, a plasmare il contesto digitale: gli algoritmi possono amplificare o attenuare certe dinamiche, ma di fatto attingono a inclinazioni che appartengono già alle nostre modalità di relazione e confronto. Ecco dunque perché risulta riduttivo parlare di social “buoni o cattivi”: gli stessi spazi virtuali possono ospitare sia derive problematiche che forme di condivisione benefica.

Questo non ci deve accecare rispetto al potenziale ruolo di accelerazione di alcune dinamiche che determinati strumenti possono favorire. Sappiamo che molte delle reazioni emotive e relazionali che sperimentiamo sui social non nascono dal nulla, ma da meccanismi psicologici ben studiati. Uno di questi si rifà alla Teoria del confronto sociale, introdotta da Leon Festinger negli anni Cinquanta, secondo cui tendiamo a valutare noi stessi confrontandoci costantemente con chi ci sta intorno. In un ambiente come Instagram, TikTok o X, popolato da profili che ostentano ricchezza o successo, è facile che questo processo scateni ansia e senso di inadeguatezza. Al contempo esiste ciò che lo psicologo John Suler ha definito effetto di disinibizione online (2004): quando comunichiamo attraverso uno schermo, senza il contatto visivo o le normali barriere del contesto faccia a faccia, ci sentiamo più liberi di esprimerci (anche in modo aggressivo o tossico) e meno frenati dal giudizio altrui. Questo fenomeno alimenta polarizzazioni, litigi e ondate di odio; l’anonimato o pseudonimato digitale contribuisce a far emergere contenuti che spesso non verrebbero espressi dal vivo. Al tempo stesso, però, tale disinibizione può talvolta favorire confidenze e confronti sinceri, offrendo una valvola di sfogo a chi vive forme di ansia o di disagio relazionale. Districare i nostri comportamenti dalle eventuali trasformazioni che subiscono sui social non è semplice.

Uno dei punti più deboli del ragionamento di Haidt, in La generazione ansiosa, sta proprio nell’attribuire ai social una responsabilità causale – e non una correlazione– riguardo all’aumento di ansia, depressione e comportamenti suicidari nelle nuove generazioni. È come se, di fronte a un panorama storico pieno di avvenimenti inquietanti (dalla crisi climatica alle tensioni economico-sociali), ci fossimo fissati su un unico colpevole, tra l’altro il più semplice, dimenticando che il malessere si nutre spesso di una rete di complesse concause. Anche le prove che Haidt porta a sostegno della sua tesi, passate al setaccio, appaiono poco convincenti: il libro ha una ricca bibliografia, ma per difendersi da questa importante critica cita uno studio condotto su appena 143 persone, tutti universitari in Pennsylvania, come se potesse da solo validare l’ipotesi di un nesso di causa-effetto tra social media e patologie psicologiche, peraltro tra adolescenti. Oltretutto in Europa i tassi di suicidio sono in diminuzione, eppure i social li usiamo anche noi. Come ha dichiarato al Guardian Andrew Przybylski, professore di comportamento umano e tecnologia all’Università di Oxford, «se la commissione di Lancet sull’autolesionismo conduce una revisione delle prove scientifiche, se la National Academy of Sciences negli Stati Uniti conduce una revisione delle prove scientifiche, se i ricercatori accademici conducono le loro ricerche meta-scientifiche e tutti questi studi non confermano il panico tecnologico, è perché il panico tecnologico non si basa sulle evidenze. Si basa sulle sensazioni».

Tutto questo, oltretutto, rinforza l’impressione di un approccio totalizzante che si scontra con la vera natura dei social. Si tratta di tecnologie generaliste, un po’ come l’elettricità, la radio o l’Intelligenza Artificiale: con le stesse piattaforme possiamo intraprendere un’infinità di azioni molto diverse tra loro. C’è chi si tiene in contatto con amici lontani o con la famiglia, chi le usa per attingere informazioni politiche, culturali, pop, chi per giocare, promuovere il proprio lavoro, conoscere persone nuove, persino per avviare relazioni sentimentali ed erotiche. C’è chi organizza eventi, gruppi di mutuo aiuto o community su passioni come la cucina. Sui social insomma possiamo fare moltissime cose diverse: come si fa, quindi, a ridurre un fenomeno così sfaccettato a un’unica deriva?

Come voi, anch’io sui social ho sprecato moltissimo tempo in modo ansioso e mi sono fatto truffare da qualche inserzione mirata, ma, al contempo, ho conosciuto la mia attuale compagna, ho stretto amicizie e ricevuto stimoli intellettuali che non avrei mai incontrato offline. Non è dunque strano se, nonostante i problemi, continuiamo a restare su questi canali: rispondono anche a esigenze positive e forniscono un capitale relazionale e informativo che, se ben gestito, può rivelarsi prezioso. Per questo motivo le generalizzazioni non reggono: non si può parlare de “i social” come un’entità monolitica, quando esiste un’infinita varietà di modi per viverli, così come esistono moltissimi contesti personali e sociali da cui nasce la nostra voglia o necessità di connetterci online.

Certo, che i social siano plasmati da esigenze economiche e politiche è evidente fin dalla loro concezione: sono ambienti commerciali pensati per attirare la nostra attenzione il più a lungo possibile, attraverso interfacce che ci invogliano a rimanere, a scorrere senza sosta, a interagire con notifiche e tendenze. Maggiore è il tempo che trascorriamo sulla piattaforma, più dati raccoglie e più preciso diventa il profilo che vende a terzi. Questa logica è già di per sé una forma di controllo, la cui direzione non è stabilita dagli utenti, ma dai proprietari, che ne impostano regole e priorità. Poi ci si aggiunge la dimensione politica, cioè la disponibilità a modulare algoritmi e regole di moderazione in base a pressioni governative o a opportunismi di mercato. Chiunque, muovendosi in questo panorama, deve fare i conti con un paradosso: sappiamo che le piattaforme tradizionali non sono neutre e che i giganti del settore detengono il controllo, ma ci restiamo non solo e non tanto perché ne siamo dipendenti, ma perché, allo stato attuale, soddisfano molte nostre esigenze di comunicazione e di aggregazione. Non è un caso che interessino tanto all’astuta amministrazione Trump, perché sono quel che un tempo era la televisione e i giornali.

Se i fattori psicologici aiutano a comprendere le motivazioni individuali o le reazioni emotive alle dinamiche dei social, altrettanto fondamentale è considerare la struttura socio-tecnica in cui tali interazioni avvengono. Gli studi di Kevin Treem e Paul Leonardi, in particolare, descrivono come le piattaforme digitali presentino una serie di “affordance”, ovvero caratteristiche che invitano o scoraggiano certi tipi di comportamenti. Per esempio, la visibilità e la persistenza dei contenuti (ciò che pubblichiamo resta a lungo consultabile), la facilità di condivisione o modifica dei post, o la maggiore o minore asincronia della comunicazione (chat in tempo reale vs. post che si aggiornano di rado). Queste proprietà non determinano automaticamente cosa faranno gli utenti, ma pongono confini e opportunità che orientano le interazioni. Un social pensato per il tempo reale, per esempio, favorisce risposte rapide e toni spesso più emotivi; una piattaforma più “lenta”, invece, può incoraggiare riflessioni più articolate e scambi approfonditi.

La storia dei social media insegna che le migrazioni di massa non decollano per meri motivi etici, ma solo se il nuovo ambiente propone offerte innovative. Non basta cioè sottrarsi a una piattaforma giudicata tossica se quella destinazione alternativa non riesce a garantire un ecosistema più vivo ed efficiente. Allo stesso modo, non serve demonizzare i social come fossero soltanto fonti di ansia, dipendenza o disinformazione: oltre a essere la casa di FOMO, filtri opachi e polarizzazioni, restano anche luoghi di incontro e di produzione culturale, spazi dove nascono mobilitazioni, relazioni umane e, censure permettendo, persino fermenti politici. Qualunque analisi dei social deve in qualche modo prendere in carico la risposta a questa domanda: avete letto l’articolo che qua si conclude grazie a un social? Se così è stato, capirete che la ricerca e produzione intellettuale difficilmente può rifiutare questo strumento.

In due giorni ho acquistato un glutatione liposomiale spray per me e uno per mio padre; un barattolo di capsule di Reishi per me e un Chaga per mia madre; un integratore di L-teanina, astaxantina e centella dieci compresse ventinovevirgolacinque euro… Perché scrivo questo? Non sto forse recensendo una mostra su Venezia nel Rinascimento?

Da ragazza, nella mia mente di young girl squattrinata ma turbocapitalista, per anni immaginai la società divisa in due emisferi. Il primo era abitato da donne il cui corpo sembrava una meravigliosa macchina autosufficiente e perfettamente funzionante; il secondo, da donne il cui corpo somigliava a un carretto trainato da un mulo anziano (la mia metà, ça va sans dire). Gli uomini non rientravano nella visione.

Nel primo cielo risiedevano le magre naturali, che mangiavano poco non per virtù ma per distrazione — equitazione, apnea o altre occupazioni. Capelli folti e lucenti, pelle un po’ spenta, sì, e talvolta un lieve scompenso psichiatrico gestito con lo yoga, ma VES e Proteina C reattiva sempre impeccabili.

Nell’altro cielo, il caos. La lozione eterna di Minoxidil contro l’alopecia. Le fiale in endovena per ricostituire il ferro. Il calcolo trimestrale del TSH, perché la tiroide interferisce sempre ma non esplode mai. L’agopuntura per le chiazze atopiche sulla pelle. Impara a deglutire correttamente. Impara a respirare correttamente. Ginnastica correttiva. A dieta dal menarca. Eliminato il glutine, il lattosio — si fa per dire. La donna-carretto, quella “infiammata”, secondo dietologa, immunologo, ginecologa, medico olistico, dentista, dermatologa, ematologo, internista.

Poi crebbi, mi guardai intorno, e compresi che le vite di tutte erano un turbinio di lutti, tumori, crisi finanziarie, vacanze, malattie terminali, divorzi, episodi di violenza più singolari; che le “infiammate” erano, in verità, le “sensibili”; e che ogni autarchica cercava un’amica infiammata per provare a sentire qualcosa. Così i due emisferi smisero di apparirmi netti… Ma un dubbio rimane sempre. 

Se qualcuno pronuncia le parole “corpo moderno”, io penso esattamente a questo: a tutti gli scontrini e le fatture accumulati, in entrambi gli emisferi, nel tentativo di gestire quel caos glabro. Per fortuna, una mostra riesce a mettere un punto alla tragedia confusa del corpo difficile e medicalizzato nell’era postcapitalista, in cui la gestione del farmaco da parte del sistema sanitario nazionale somiglia sempre più a un’esperienza da Sephora durante il Black Friday.

A Venezia il corpo torna ideale, paragonabile alle più dorate architetture, e al tempo stesso allegro nella propria prossimità alla morte.

Le Gallerie dell’Accademia di Venezia presentano la mostra Corpi moderni. La costruzione del corpo nella Venezia del Rinascimento. Leonardo, Michelangelo, Dürer, Giorgione, a cura di Guido Beltramini, Francesca Borgo e Giulio Manieri Elia.

L’obiettivo è porre l’accento sul momento storico in cui il corpo cominciò a rivelarsi alla società nella sua natura trina: costruzione culturale, oggetto di studio scientifico, mezzo espressivo dell’individuo. Uno dei grandi meriti dell’esposizione è proprio quello di non giungere fino al mio faldone di scontrini, né a Warhol o a Kim Kardashian, ma di fermarsi sul punto d’origine, quando tutto è cominciato. Un lavoro meticoloso di selezione, con prestiti nazionali e internazionali di particolare rilievo.

Il catalogo della mostra, edito da Marsilio, raccoglie numerosi saggi brevi — per lo più a firma di una nuova generazione di storici dell’arte — capaci di conquistare anche il lettore non specialista con aneddoti, ambientazioni e una prosa vivace. Si parla di donzelle (vive) che dormono nelle proprie future bare, di protochirurgia, di interazioni tra eros e meteorologia, di self-fashioning e cuffiette.

Corpi moderni si articola in tre capitoli: Anatomia, Desiderio, Persona. E con buona pace di Leonardo, è Dürer a rivelarsi l’eroe più vicino alla nostra sensibilità. Spicca, in particolare, un Autoritratto da malato (1506-1511) proveniente dalla Kunsthalle di Brema: l’artista, nudo, indica con un dito il fianco opposto, incorniciato da una macchia gialla, e annota in tedesco: «Là dove è la macchia gialla e dove punta il dito, lì mi fa male». Dürer si mostra muscoloso, vigile, e poiché tiene con compostezza l’altra mano dietro la schiena, sembra aver studiato una posa atta a trasmettere equilibrio e bellezza. È il primo autoritratto da nudo di un artista e bisognerà attendere secoli perché qualcuno torni a cimentarsi in un’operazione simile. Lo storico Andrea Beyer ipotizza che stia indicando la milza, sede tradizionale della melanconia: potrebbe trattarsi di un appunto visivo per spiegare a un medico, magari lontano, la natura del dolore. Il tempo di un attimo ed ecco emergere in me il desiderio che veramente la melanconia sia ancora là, a disposizione di un’ecografia.

Conclusa la visita alla mostra, il capitolo dedicato al Desiderio, seppur magnifico, è risultato alla mia coscienza meno necessario degli altri. Sin dall’infanzia, infatti, riconosciamo l’erotismo come parte integrante del nostro patrimonio culturale. Qualsiasi liceale diciassettenne italiano, purché non completamente brocco, saprebbe argomentare con disinvoltura sulla celebre mano di Plutone ficcata nella coscia di Proserpina nel gruppo del Bernini; o distinguere, nel celebre dipinto di Tiziano, l’Amor profano dall’Amor sacro; o ancora cogliere la precisa intenzione nel gesto della Venere di Dresda, che poggia la mano “proprio lì”. Non ci si pensa abbastanza, ma il fatto che dieci lezioni sulla posizione dei transetti siano dimenticate entro i diciotto anni mentre i perché del revival di pancette durante il Neoclassicismo rimanga impresso a vita, in qualche modo plasma la nostra costruzione culturale sul corpo. L’arte ne ha parte; e se vacilla nell’illuminare le coscienze intorno a pensieri di pace e giustizia, consolida considerazioni su adipe e muscolatura nella storia. Per questo un Manichino anatomico femminile datato tra il XVII e XVIII secolo e proveniente dalla Biblioteca dell’Istituto Ortopedico Rizzoli di Bologna, così come un rilievo metrologico dell’Ashmolean Museum di Oxford datato tra il 460 e 440 a.C e rappresentate un torso a braccia aperte, mi donano maggiore ampiezza di pensiero, mostrandomi il corpo fuori dalla narrativa del desiderio e in un certo senso della vita stessa.

Esco dalle Gallerie con il biglietto piegato in tasca, stretto fra lo scontrino dell’astaxantina e quello del vaporizzatore di glutatione: un corpus di carta che non vale proprio quanto una tavola anatomica rinascimentale. Fa sorridere pensare che, alla fine, né il mio spray né l’Autoritratto di Dürer smontano davvero il mistero: entrambi si limitano a incorniciarlo con grazia. Forse è questo il privilegio dei “corpi moderni”: non guarire, ma negoziare con l’enigma— sempre con una certa eleganza disperata cui non resta che brindare (magari con un idrolato depurativo).

Qualcosa di miracoloso brucia in lei,
e i contorni del suo viso brillano davanti ai miei.
Lei sola mi parla,
quando gli altri temono di avvicinarsi.
Quando l’ultimo amico distoglie lo sguardo
da me nella tomba, si stende al mio fianco 
e canta come il primo temporale,
come se tutti i fiori cominciassero a parlare.
(Anna Achmatova – Musica)

Scrivere può essere musica? Forse la scrittura è una musica che si è liberata di sé stessa, ma che pure mantiene i suoi elementi fondamentali: sillabe e parole compongono linearmente la melodia di note fantasma, sintassi e costruzione dei periodi evocano il ritmo che pulsa nelle tempie e l’apposizione delle righe l’una sotto l’altra è l’armonizzazione, la somma che supera le parti. Musica e scrittura. Entrambe sono sia ambiguità elevata a sistema che calcolo elevato a mistero. Entrambe sono il diritto di creare relazioni tra significati lontanissimi, di mescolare tutte le combinazioni tonali che siano mai esistite, di accedere al canone delle cose sommerse e proibite, di ricordare ciò che non è ancora avvenuto. Entrambe sono elettricità incarnata, fuochi che rendono indisgiungibili forma e contenuto. Ciò che si canta è come lo si canta. Ciò che si scrive è come lo si scrive. Con questa sfida hanno deciso di confrontarsi le voci di questo ciclo, perché come in una progressione armonica un accordo ne chiama sempre un secondo ed un terzo e così è anche per le storie, che si compiono e risuonano davvero solo in chi ascolta e in chi legge. Niente è vietato in questi racconti perché come la musica, la letteratura non ha alcun messaggio se non sé stessa, alcun genere se non la verità e in essa arde sempre qualcosa di miracoloso. (Dario Valentini)

«Né al fuoco» Ballerini allungò la mano. 
«Né al buio» Frison appoggiò sopra la sua. 
«Né al gelo» Rampino ancora sopra. 
«Facciamo tremare l’universo sul suo stelo!» urlò Boscolo e tutti alzarono le braccia. 

Si strinsero a mischia, testa testa, a darsi pacche durissime sulla schiena e poi presero a saltare, battersi il petto, smandrupparsi, ululare, sniffarsi e rasparsi l’uno sull’altro. Più che a ritmo con l’intro andavano su e giù con il mormorio di risacca dei duemila e passa fuori manco quello fosse il concerto e questo il pogo. La somma di quelle parole a mezzo e quei fiati caldi li percorreva comunque più forte degli ottantamila watt delle casse. I tecnici li guardavano un po’ a presa di culo, era gente seria, da anni sulla strada, che dietro le quinte doveva averne viste di tutte, patti di sangue, raglie, rum sparato endovena, gente che si pitturava la faccia, che meditava urlando, che evocava il demonio, che provava a scoparsi un’anguilla o nemmeno si salutava prima di suonare. Forse nemmeno li perculavano. Inteneriti, indifferenti, presi da altro. Cavi, prese, pulsanti eccetera.

Ballerini, Frison e Rampino entrarono sul palco, sagome di buio nel buio e nel mormorio ora scoperto. «Certo che si chiude con il botto proprio, io l’Alcatraz neanche con il cannocchiale». Fogher quel pomeriggio se l’era girato con le mani sotto le ascelle manco fosse in un museo. «È un onore» al chitarrista dei Sancta tremava un po’ la voce al soundcheck «Un onore davvero aprire per voi».  Rispetto ai tour di prima gli sembrava d’averlo fatto in un continente diverso che l’altro lo rimpiccioliva, anche loro avevano suonato in maniera diversa e si erano ritrovati più esposti sia al bello che al brutto. A Stoccolma si erano buttati sul pubblico con strumenti e tutto, senza smettere di suonare e la gente li aveva tenuti su in verticale. A Manchester il bus aveva preso fuoco ma i pompieri erano arrivati subito salvando strumenti, valigie e persino sigarette, avevano giusto firmato i moduli dell’assicurazione, cambiato bus e via. Ora gli pareva di rientrare da espugnatori intergalattici, vampiri che del sole se ne fottevano, giganti educatamente curvi a conversare con le nuvole più in basso, si sentivano esaltati, stanchi, arrabbiati di essere stanchi, confusi, fin troppo sicuri, in realtà non sapevano bene come si sentivano. 

Nell’arena c’era odore di cemento, ascelle sudate e schiuma di birra. Le luci erano ancora tutte spente e dalle casse usciva l’intro del loro set a un volume così alto da stordire e distrarre, ma qualcuno dalla prima fila li vide e prese a strillare. La base si fermò per un secondo e subito dopo entrò pure Boscolo. La gente smattò. Quattromila mani si alzarono. Aperte, chiuse a pugno o a fare le corna. Le luci partirono piane e da sotto. Boscolo abbracciò con lo sguardo la sala in tumulto annuendo appena al macello intorno. Spighe di carne battute dal vento di suono. Aveva pensato parecchio a cosa urlare per aprire le danze da quando avevano fatto breccia “Bentornati a casa”, “Voglio vedervi volare”, “Nessuno uscirà vivo di qui”, “Il vostro vero amore è qui da qualche parte quindi datevi da fare” e infine aveva scelto quello che gli sembrava di gran lunga più potente: niente di niente. Neppure li guardava in faccia. Pareva cantasse rivolto a un pubblico invisibile ma sempre più numeroso. Indossava un chiodo rosso e niente sotto, capelli tenuti da una fascetta, pantaloni a sigaretta e un filo di matita nera sotto gli occhi. Finito lo spazio su torso e braccia s’era fatto tatuare una volpe a nove code a tutta schiena.

«Basta pomparti» lo perculava Nadia «Se lo sono mangiate il mio ragazzo ‘ste proteine, ma poi devi proprio prenderle al gusto piedi? Cadavere e vaniglia l’avevano finito?» Boscolo fece uno scatto col mento verso la gente e strinse il microfono. Piegò appena le ginocchia e gli altri attaccarono. Un boato investì la sala che parve accartocciarsi su sé stessa, a bordo dell’onda rossa delle luci che si rovesciavano a spazzare la sala. C’erano ragazzetti rachitici a petto nudo eragazzette con magliette di band tre taglie più grandi usate come vestiti, omoni barbuti, tipe sui trenta. Volti come mille gocce sul parabrezza. Ballerini invece li guardava mentre suonava, come avesse un altro sé in parallelo con tutto il tempo di soffermarsi faccia faccia. Alcuni avevano gli occhi fissi su di loro, altri più su, come stessero guardando direttamente la musica che filtrava attraverso le loro bocche e dita, come conoscessero le canzoni meglio di chi le aveva scritte, bastardi baciati da stelle che non avevano vegliato neppure una notte, con la sicumera dei genitori che si vedono restituire i figli dopo il parto, le sentivano così, compiute, non sovrapposte a quello che avrebbero potuto o dovuto essere, ogni struttura iniziale, variazione abortita o mix grezzo, ma per quello che erano e basta. Lavato via il sangue, reciso il cordone, posato il pianto. Ballerini li invidiava quei maledetti, liberi, innocenti, vittoriosi per battaglie non combattute non per questo ipocriti, anzi. E loro lassù grandi, prigionieri, contrappesi delle proprie note, incapaci di sciogliere il nodo e allo stesso tempo di lasciarlo. Legati per sempre al suo fuoco e alle sue regole. Ballerini raschiò il plettro sulle corde, scivolando dal ponte al collo, caricando il riff. Lingua universale, ponte tra i popoli, porta per passato e futuro, la musica gli sembrava casa di tutti solo per chi non ci abitava davvero. Come Dio senza averlo pregato o il primo amore. Magia liberata dalla menzogna di essere verità.

Boscolo fece un balzo in avanti così spericolato che quelli delle prime file misero le braccia su come a difendersi, si fermò giusto sul bordo, inarcando la schiena come a tirar su tutta l’aria del posto «Siamo stelle nere» ululò «Il cielo è troppo piccolo per poterci contenere». La gente iniziò a saltare su e giù senza smettere di gridare. Ballerini si tuffò in una sequenza di accordi turbolenti sulla nuova Jazzmaster modificata “Ago di fuoco”, corpo in ontano, curve dolci, verniciatura sunburst, pickup articolati e brillanti, meccaniche autobloccanti, tremolo panorama che aumentava a dismisura il raggio del vibrato, da rapidi tuffi a profonde immersioni. Schiacciò a raffica il killswitch spezzando il fraseggio. La chioma bionda ondeggiava come percorsa da mani invisibili «C’hai i capelli da donna» gli diceva Luna e glieli mordicchiava a ciuffi «E pure i capezzoli».

Puttanatine così erano le cose che gli mancavano di più. Il torso magro e fiero fasciato in una camicia bianca senza colletto a maniche tirate su, le gambe lunghe e sciolte nel denim nero dei calzoni. Guardò Boscolo e gli sparò un sorrisetto missile, appoggiò un piede sulla cassa spia, poi si diede uno slancio all’indietro e fece una giravolta. Si abbassò piegando le ginocchia e venne su manco pattinasse sul lago di fuoco rosso dei faretti. Frison gli copriva le spalle con il Jaguar Bass, anche questo roba nuova, corpo in legno di pino, verniciatura rubino, tastiera in acero, pick-up passivi ma che suonavano come nocche sulla bocca, ponte che non perdeva mai l’intonazione. Suonava così denso che pareva tirarli su quando stavano per cadere dopo un’acrobazia troppo audace, sia sullo spartito che sul palco. Teneva le gambe divaricate e lo strumento piantato addosso, come trainasse avanti la canzone con le spalle.Maglietta dei Mistral, bandina scrausa che voleva spingere, pantaloni ciucciati, capelli lunghissimi che schizzavano da tutte le parti, un po’ molliccio ma strafottente.

«Comunque hai il culo più bello di tutti e quattro» gli ripeteva Bianca. Aveva capito che cavalcarla era l’unico modo di uscirne e allora roteava su sé stesso fino a cadere e si scuoteva come un epilettico quasi dovesse dare l’esempio o il permesso alla gente di perdere la testa. A volte agganciava gli occhi con qualcuno nelle prime file sorridendo come un mongoloide e lo indicava come a dire: sì tu proprio tu ora ci divertiamo, e pareva suonasse solo per lui. «E se l’unico amore che dura è quello che viene spezzato nel giusto momento, tu tienimi le mani fino alla fine del tempo» Boscolo scandiva le sillabe come avesse una sciabola d’aria in bocca. «Fino a quando non saremo scheletri d’argento» urlò di risposta Frison. «Ossa delle mie ossa, luce della mia vita, tienimi le mani finché non è finita». Il vantaggio di suonare con la base in cuffia era che non sbagliavi mai. A patto di rimanere costantemente sul pezzo. Frison non perdeva occasione di ripetere che quella perfezione a metronomo era un po’ fascia e che invece erano proprio le sbandate a renderli efficaci. E allora teneva un auricolare fissato nel padiglione col nastro adesivo e l’altro sempre fuori e così gli sembrava di uscire un po’ dalla macchina. Rampino macinava sulla Saturn scarlatta, nuova pure quella, i gusci ibridi in noce e betulla facevano partire certi botti così pieni da lasciare svuotati. E le pelli spesse e tese sparavano risonanze talmente affilate, croccanti e nitide che parevano flash di luce oltre che di suono.

Ballerini lo sbirciava tra un riff e l’altro. Aveva lo sguardo perso nel vuoto, i dreadlocks lunghi raccolti, un paio di pantaloncini minimi, il petto nudo, robusto, lucido di sudore come anche le cosce e le gambe, quasi glabre. I suoi occhi luminosi specchi neri, l’opposto di dicembre, macchine del tempo. La schiena torta ad un angolo innaturale, le braccia che parevano uscire da una nube di oscurità elettronica piuttosto che dal tronco. Picchiava così forte da mandare schegge tutto intorno, manco dovesse proprio buttarla fuori quella roba o sarebbe imploso. A volte inseriva delle note fantasma dove non avrebbero potuto starci, come il battito del cuore di un bambino mai nato o il luccichio di una stella di giorno. Ora aveva parecchi piatti, i due più esterni, li avevano fatti montare al contrario e riempire di nafta liquida. Ballerini ci lanciò una cicca dentro ed ecco la fiammata con Rampino che la batteva ammansiva lavorava in un disco rosso oro. Le transenne sussultarono per le ondate di gente aggrappata a tirarsi indietro e buttarsi avanti, il vermiglio delle luci si intrecciava con le punte accese e il fumo delle cicche, ormai del divieto se ne sbattevano. Mai suonato così bene, Frison si sorprese ad andare avanti liscio pure lui come si guardasse farlo, senza inseguire per una volta, in una riserva di tempo che lasciava godersi come il rimbombo delle note si accompagnava al passaggio delle luci che ruotavano e lampeggiavano in sincrono alla cassa, bisognava fare una statua al fonico e agli altri tecnici. Le macchine del fumo soffiavano una mistura d’acqua e glicerina e trasformavano le loro silhouettes in quelle di eroi mostri e dei, per chi lì davanti ci scuoteva bevute e spremeva sudore dentro. Boscolo spazzò l’aria come agitasse una mazza invisibile «Tagliami pure a metà. Sarò il vento che ti prenderà». Era incendiario, in bilico tra precisione e presenza, copriva quasi tre ottave di estensione, dal Do basso al Do di petto e oltre in una specie di falsetto urlato, riusciva a tenere fino all’ultimo le note più difficili e gesticolava manco fosse un direttore d’orchestra con un tumore al cervello: serrava i pugni, sparava pistolate all’aria, giocava con l’asta, sputava, saltava sforbiciando con le gambe, si raggomitolava giù colpendo il palco a ritmo, poi scattava in piedi e si muoveva avanti e indietro manco volesse suonare tutti gli strumenti. Aveva superato le mosse più stereotipate dei frontman hardcore aprendosi a serpentini ondeggiamenti da indie rocker, sorrisetti da cantautore ruffiano e addirittura certe ieratiche pose shoegaze che lo facevano spiccare come un bassorilievo dal muro di suono. Era una parte potenza e nove controllo e quella sua voce acuta e graffiante ora sembrava uscirgli senza sforzo e quando ordinava alla gente di smattare, quelli obbedivano. Ballerini al contrario pareva improvvisare a raffica, si muoveva con passi di danza segreti e perturbanti, scivolando per il palco in punta di piedi, cambiando sequenza di continuo e balzando su e giù dalle casse. Si avvicinò al bordo palco e poi prese a suonare con una mano sola martellando sulle corde, con l’altra tirò fuori una sigaretta, se la infilò tra le labbra e poi si buttò di schiena sulla foresta di mani tesa e ghermirlo. Bianche sbocciarono tre dita, una tizia gli accese la cicca, precisa quasi non aspettasse altro, angelica e puntuale come la morte. Magari ci scovasse così, pensò Ballerini e prese a battere due frasi separate in tapping. Pure Boscolo si lanciò sotto, attraversò la folla offrendo il microfono a destra e a sinistra, mentre i tecnici bestemmiavano e gli davano cavo, poi s’arrampicò sul bancone del bar e riprese da lassù in alto. Lanciò uno sguardo a Ballerini, quell’altro gli fece un sorrisetto e precipitò in un’assoluta raffica di note, poi in una triade sconvolgente, poi in una rapida sequenza di armonici taglienti come denti di fantasmi.

La gente non sapeva dove guardare, si girava un secondo verso Boscolo e l’altro verso Ballerini e così la fotografa del club che li mirava e sparava dalle quinte. «I nostri polsi sempre fuori fase, non lasciarmi andare, quando ti dico: mi fai male» Boscolo cantò il ritornello un paio di semitoni più acuto e allora Ballerini prese a variare il riff principale, non chiudeva la progressione ma la portava sempre più su, senza risolverla. Una battuta, due battute, la gente ululava e si spintonava come a dire: cosa? Ho sentito bene? Frison e Rampino lo seguivano e pure Boscolo a sentirla così sussultò. Quando stracazzo l’avevano provata senza di lui? Per qualche secondo ascoltò e basta quelle note diverse, poi scosse appena alla testa con una smorfia, allungò le braccia come a raccogliere un caldo invisibile dall’aria e se lo premette al petto, accennò un inchino, mentre gli altri tre in risposta gli facevano il dito medio. Poi Ballerini sparò il riff originale, la gente smattò e se lo caricò ancora sulle spalle e rispiaggiò sul palco. Pure Boscolo saltò a cavalcioni di un mezzo ciclope e si fece portar su. Si rimisero in formazione e Ballerini trascinò la sala sull’onda lenta di un arpeggio invertito, dilatato e iper riverberato, mentre le luci sparaflesciavano e tutti parevano muoversi piano, come sospesi, con gli occhi semichiusi e le labbra appena torte. «Sono da solo anche quando sei con me, sono con te anche quando sono da solo» Boscolo, il più solenne e lento di tutti, alzò una mano come a cercare di raggiungere qualcosa che forse vedeva solo lui. Avevano imparato, in un modo o nell’altro, dicendoselo o meno, che portarsi passato o futuro sul palco significava morte certa. Quello che era o sarebbe successo fuori non importava. Amarezze e malinconie andavano trasfuse nel processo alchemico che ormai conoscevano bene e non mancava comunque di stupirli. Lì sotto chi limonava, chi litigava, chi scopava nei cessi, chi pigliava una gomitata o un calcio, chi perdeva gli occhiali nel pogo con qualcun’altro che glieli pigliava su al volo e gli faceva cenno che era tutto ok, chi scalava le spalle di un altro per vedere meglio e poi cadeva rompendosi l’orbita, chi si rannicchiava in fondo a piangere con la faccia nelle ginocchia, chi comprava un disco o una maglietta, chi andava in palla e mandava un messaggio all’ex, chi beveva troppo, chi registrava tutto, chi postava foto e video, chi si vergognava di andarci eppure non poteva farne a meno, chi non ci andava e si mangiava le mani, chi ci andava da solo e si faceva degli amici nuovi. Chi neppure si muoveva, fermo per un’ora per poi sulla strada del ritorno continuare ad ascoltarli in cuffia, al buio. «Parla coi morti insieme a me, il telescopio è un ponte per te, ho scavato una trincea ma non ho nessuna voglia di combattere» La gente rispose il verso dopo «Nessun amore finisce dove è iniziato, ed è così che mi hai salvato» Chi per scordarsi di qualcuno, chi per ricordarselo, chi per sentirsi parte di qualcosa più grande, chi per scoprirsi unico, chi solo per fare un po’ di sacrosanto bordello. 

A casa Nadia macinava esami tipo schiacciasassi, a volte cedeva alle insistenze degli amici dell’università e andava alle feste dove fissa si rompeva il cazzo e riprometteva di stare a casa a leggere Cechov o Puskin. Bianca passava le prime selezioni per l’orchestra giovanile e mostrava a tutti i video dei loro concerti dicendo «Questo è il mio ragazzo capito?». I genitori di Frison calcolavano gli anni alla pensione. Il babbo di Boscolo ritirava un premio minore. La mamma di Ballerini scandagliava i social per le foto del figlio, le stampava e metteva in un album. I nonni di Rampino andavano a messa e pregavano per il nipote che vedevano sempre meno e che pure, strano a dirsi, gli pareva star benone, o almeno bene, ed era già ben più di quello che s’aspettavano, come se le canzoni non potessero mai realmente essere per gente come loro ma sempre e comunque per qualcun’altro. 

***

Prima dello spettacolo, ognuno aveva un suo rituale. Frison esplorava ogni anfratto del locale bevendo la prima birra, poi, dopo il soundcheck, se ne faceva una seconda e andava a rompere le palle al fonico perché il mix fosse ben bilanciato o tenesse conto del riverbero della sala o qualche altra cazzata da smanettone e finiva per beccarsi una pioggia di insulti o restare bell’e ignorato. Infine, quando il posto era pieno, buttava giù la terza e la quarta e si sciroppava tutte le band che venivano prima, non dalle quinte come gli altri, ma in fondo, mischiato al pubblico. Gli parevano sempre troppi, più di una volta aveva sboccato per la tensione. Ballerini centellinava un gin tonic a dosi omeopatiche, fumava a catena e trasponeva qualche giro nuovo da chitarra a synth e si sorprendeva di quanto suonassero fighi. Non aveva il coraggio di dirsi pure meglio. Scriveva un messaggio d’ordinanza a sua mamma e poi spegneva subito per non vedere la risposta che, sempre solare, accettante e al rialzo, gli avrebbe comunque fatto girare il cazzo. Rampino beveva tutto quello che gli capitava sotto mano e poi si piazzava nel parcheggino artisti a suonare sul pad da allenamento dei ritmi che nelle loro canzoni non c’erano. Rigorosamente altro. Nessuno sapeva da dove li tirasse fuori, pareva sfogasse lì quello che non poteva suonare altrimenti. Boscolo si faceva una mini sega, senza chiuderla, chattando con qualche tipa con cui aveva già mezzo accordo per il dopo, un whiskey corretto creatina e sceglieva gli abiti di scena con la connivenza di quelli dell’etichetta. Voleva preparare pure per gli altri i vestiti, che pur rimanendo su tonalità scure erano diventati più elaborati ed eleganti della combinazione nero su nero dei primi tempi. Adesso c’erano camicie, giubbetti di jeans, giacche di pelle, guantini, foulard, cinture, borchie, cappelli e addirittura certi blazer leggeri da far svolazzare durante le acrobazie. L’avevano persino beccato a stirarglieli, lui che non aveva mai stirato niente in vita sua. Frison all’inizio aveva opposto resistenza dichiarando che avrebbe smesso di vestirsi di nero solo quando avrebbero inventato un colore più scuro «Guarda che ti taglio i capelli nel sonno se continui a rompere» ma alla fine si era lasciato tirare dentro. Non c’era stato modo. Glielo doveva. Se a lui, alla band o al pubblico non l’aveva ancora capito bene.

Negli ultimi mesi il disco era davvero esploso, dopo un’uscita un po’ in sordina, era diventato virale, forse per qualche colpo di culo con l’algoritmo, il passaparola o chissà cosa, tramutandosi in un una valanga difficile da smontare. Il problema di essere l’avanguardia era aspettare che il resto del mondo si mettesse al passo, e di solito ci volevano anni, ma se invece di essere talmente avanti da doppiare gli altri, si era appena oltre la curva poteva volerci molto meno, quello era il trucco, oltre a un culo smodato o almeno così gliel’aveva messa giù Fogher, che palese non se lo spiegava manco lui. Oltre agli apripista locali, i Sancta, l’etichetta aveva ingaggiato in apertura altri due gruppi di scuderia. I La Nuit, giovanissimi e ancora poco conosciuti ma che secondo Frison lo sarebbero rimasti ancora poco, e gli Sturmfrei già grossetti e sulla strada per diventare più grossi ancora. Facevano tutti parte della nuova wave del rock europeo. “new noise” li chiamava la critica. E come ogni definizione li seppelliva vivi. Loro cercavano di sfuggirle dichiarandosi a ogni intervista una cosa diversa e deragliata: “una band hardcore moderna”, “un complesso screamo cosmico”, “una piccola orchestra apocalittica”, “un duo jazz”, “un gruppo di auto mutuo aiuto” o “il corpo diplomatico della libera repubblica di Falconia”. 

«Se volete che venga anche io stasera mi dovete portare in braccio» Rampino, tutto sudato dopo aver suonato si buttò a faccia in giù sul divanetto del bus. Frison gli fece passare sotto il naso un cordon bleu scaldato al microonde, sua specialità dopo i set, e Rampino lo addentò a occhi chiusi «Minchia fre sei disumano». Boscolo attaccò ad asciugarlo col phon «Sai di caimano» Ballerini gli montò sopra a cavalcioni e prese a schiacciargli un brufolo sulla schiena mentre l’altro provava a disarcionarlo e rideva «Va bene! Va bene! Vengo» saltò su e gridò «Carica duecento!».

Dopo i concerti, sderenati ma soddisfatti di essersi dati in pasto a labbra, cuori e mani, si lanciavano sempre nell’after e non si negavano mai alla cagnara. Si facevano offrire da bere, fumare, sballare, e qualche volta rimediavano pure una bella scopata sudata ed elettrica nel bus o in qualche camera d’albergo arraffata all’ultimo. Ricevevano sorrisi a sessanta denti, occhi dolci, batticinque, baci, palpate e complimenti. La gente voleva abbracciarli e fare foto con loro pure se erano luridi e gli diceva le robe più matte su come le loro canzoni li avevano aiutati in un brutto periodo, a smettere di tagliarsi, a superare la morte di un genitore, l’abbandono di un amore e persino ad accoppare in battaglia. Omaggio a cui s’erano imposti di credere il giusto. Firmavano dischi, maglie, scarpe, gessi, tette e una volta persino un cazzo. Gli regalavano di tutto: disegni, torte, vitine personalizzate per i piatti, cetrioli, disegni, biscotti, coperte, tazze, marmellate, magliette, animali impagliati, mutandine, bambole voodoo, pendenti, ciocche di capelli e una volta persino un pacemaker. Tutto ‘sto circo gli piaceva parecchio, ma avrebbero fatto le stesse cose per molto meno, pure solo per gli sputi, forse.

Eppure il primo bonifico serio era stato un salto. Avevano passato il pomeriggio a rimpallarsi la foto della transazione. Potevano fare solo quello e, pur senza grosse pretese, arrivare comodi a fine mese. Con gli altri però, talvolta ancora più grassi, nemmeno avevano saputo bene cosa farci. Ci si pagavano gli stravizi, compravano equipaggiamento o sfizi. La loro vita di base non era stata capovolta però. Posti e gente che frequentavano a casa, cioè sempre meno, erano sempre quelli. Solo Frison aveva cambiato appartamento, uno appena più grande in cui s’era portato comunque dietro Maniero. Ballerini non aveva avuto il cuore di piantare sua mamma. Rampino non s’era manco posto il problema e Boscolo, ora che stavano ingranando, era entusiasta di sbatterlo sul muso al suo babbo ogni volta che poteva. Almeno così diceva. Si portava dietro un maglione impregnato dell’odore di Nadia, lei lo usava per fare jogging e lui glielo trafugava fisso ogni volta che ripartivano, lo teneva nel borsone e sniffava di nascosto per tornare poi su a mille giri e trascinare tutti a fare banda con lo stesso sbalestrato distacco. «È un sociopatico, ma è un sociopatico generoso» l’aveva inquadrato l’autista. Le mandava foto a guizzi irregolari ma stabili e le scriveva «Ci torniamo?» oppure «Io e te» oppure una sfilza di emoticon tipo cuore nero, turbante, aquila. Certe volte, nel mezzo della cagnara e con la lingua già mezza in bocca a un’altra usciva di colpo e allora «Non vedo l’ora di riabbracciarti» le scriveva e giù la badilata non di quanto gli mancasse, ma di quanto gli piacesse sentirne la mancanza. Frison cianciava a manetta con fan e colleghi, intavolando discussioni progressivamente meno solide all’aumentare del tasso alcolico tipo «Non mi stanno antipatici gli Atreides perché sono completamente inoffensivi. Troppa elettronica, roba da discotecari quella» o «È evidente. Non c’è gara tra gli Deimos e i Risghilien, i primi sono stati già calpestati dalla storia mentre i secondi non importa come riescono sempre a farti schiantare su una verità assoluta. Innegabile che se uno è abbastanza fortunato da spararseli quando è ancora ragazzo non solo gli farà sviluppare il buon gusto, ma pure passare il materialismo o il capitalismo che è lo stesso». Prima di collassare, spesso si infilava in qualche angolo a chiamare Bianca che gli chiedeva a presa in giro, ma con un fondo di strizza «Allora hai finito di scopartele tutte?» e lui rispondeva «Sono in pausa» e poteva permetterselo solo perché non era vero. Pareva incorruttibile. Tanto che sembrava non lo facesse nemmeno per lei ma per rimanere su quel cazzo di piedistallo su cui s’era piazzato. Cosa avrebbe fatto Rampino non si sapeva mai. A volte si gettava pancia sui tavoli di qualche locale o scolava un intero fusto di birra per poi correre via a piedi nudi strillando «Non avremmo mai dovuto arrivare così lontano» o «Abbiamo vissuto così tanto che dovranno ammazzarci due volte!» o qualche altra stronzata. Manco l’avesse tirato su chissà cosa per depositarlo chissà dove. Certe sere si chiudeva a riccio nel bus, altre spippolava col telefono finché non trovava qualcuno con cui imbucarsi. 

Una volta Boscolo l’aveva preso in disparte, in una piazzola d’autostrada dove avevano appena finito di pisciare «Voglio solo che tu sappia che a me non cambia niente, sei persino più figo adesso che lo so, perdipiù non mi fai concorrenza, dovrò consolarle io quelle che non ti scopi, poverine e magari mi puoi pure spiegare qualche trucco nuovo». 

Ma Rampino aveva risposto solo con un sorrisetto ad occhi bassi.

«Certo che non ci cambia niente, che cazzo dovrebbe cambiare?» Frison agitava le mani manco dovesse spegnere un incendio «Ma vogliamo scherzare».

Ballerini sembrava tenere conto delle macchine che passavano «Sì. Fai attenzione però». 

Infine Boscolo «E poi diciamoci la verità, noi non possiamo parlare, non c’è cosa più gay di scoparsi una donna, quelle bamboline. Zitti lasciatemi finire. Lasciami. Noi siamo i froci della figa tutto qui». Frison gli era già addosso. «Lasciami».

Ballerini era, senza ogni ragionevole o irragionevole dubbio, quello che cuccava di più, eppure lo faceva con uno sconforto nervoso che gettava un sapore amaro sulle bocche incrociate. Da quando si era lasciato con Luna era caduto in un vortice di fregna e disperazione così fondo che tirava avanti a cene liquide e gli altri dovevano insistere perché buttasse giù qualcosa che non fossero dosi malsane di alcool. Tutto lo intristiva, niente come la gioia altrui. 

«Comunque il dolore ti dona» Boscolo provava a tirarlo su ma lui lo scartava con certi mezzi sorrisi che erano peggio di un pugno e aggiungeva «Stava meglio a te, mi sa». 

«Non sto scherzando, ‘sta merda brucia, non vorrà dire niente ma lo so e non sai quanto mi rode che faccia calore a tutti meno che a te, quello che ti fa male vorrei prendermelo io».

Ballerini distoglieva lo sguardo come a dire: No. Non puoi. Non sai quello che dici. «Grazie». 

Quando poi si ritrovava solo Boscolo persino ci provava, strizzava gli occhi, stringeva i pugni e provava a figurarsi una trasfusione in testa. La salvezza non possiede mai sé stessa e così le ossa, le piume, i nomi. Le ferite si scambiano, i denti si rubano, le morti si specchiano e basta.

«Mi rendi felice in un modo che non vorrei. Prima di stare con te, non sapevo che ci si potesse sentire così soli» aveva provato a spiegargli Luna l’ultima volta che si erano visti. Erano appena tornati da un tour parecchio lungo e lei era venuta a prenderlo all’aeroporto, roba che faceva molto poco al contrario di Nadia o Bianca. Era stata una giornata spettacolare, di quelle che ti fanno sentire immortale e poi ti sbudellano come un maiale. Erano andati al Museo Guggenheim a fingersi critici d’arte e inventarsi nomi cretini per le opere e poi sfiniti di vinello, in un canale mezzo nascosto, erano finiti a fare l’amore in un barchino. Lei sopra ad abbracciargli le spalle e sfregarsi su di lui, lui sotto a stringerle i fianchi e strusciarla avanti e indietro. Lo mordeva e lo baciava sul collo, evitando la bocca. Poi, abbracciati qualche centimetro sopra l’acqua «Parliamo» gli aveva detto. Mai gli erano mancate le sigarette come in quel momento. Per lui l’estate era finita lì. E pure parecchie altre cose. Quella notte non aveva dormito, come non ricordasse neppure come si faceva.

Il giorno dopo in saletta aveva raccontato tutto agli altri «L’ha chiusa!». Con una manata aveva buttato giù le birre dal tavolino «Proprio adesso che stavamo iniziando a trovare un minimo di equilibrio». 

«Cazzo» Frison evitava di guardarlo, s’era messo a raccogliere tutto «Mi dispiace».

«Hai idea di quanto deve essere innamorata per troncarla così? È talmente terrorizzata di perderti che preferisce farlo alle sue condizioni» Boscolo aveva spento l’aerosol che si sparava ciclicamente, preventivamente, anche se non aveva un cazzo.

«Ma che t’ha detto?» Frison ficcava dei cavi nel borsone e poi li tirava fuori.

Rampino si era messo il più lontano possibile, tolto il cappellino dei The Chariot e si grattava la nuca col frontino, ogni tanto apriva la bocca ma poi scuoteva la testa e non diceva nulla. 

«Se ci tenesse davvero sarebbe rimasta» Ballerini s’era acceso due sigarette.

«Non funziona così» Boscolo gliene aveva presa una «E poi cerca di snebbiartela un attimo, noi siamo sempre in tour e quindi non la vedresti comunque molto. Non capisci che è la tua occasione per mettere il pisello in qualche figa nuova? Magari trovi pure di meglio». 

«Fai schifo! Ma che dici Dio cristo» Frison lo fissava come gli fosse comparso davanti solo allora.

«Non me ne frega niente. Lo capisci che non siamo tutti come te?» Ballerini era scattato su con la testa, e persino Boscolo s’era ritratto d’una frazione. 

«Ma cosa ti ha detto?» Frison s’era seduto a terra e poi rialzato e poi risieduto. 

Rampino aveva fatto un passo verso Ballerini ma poi era tornato indietro stringendo i pugni. 

«E allora lotta, che ti devo dire, valla a trovare ogni volta che puoi, piantati davanti a casa sua finché non ti apre e fate l’amore fino a perdere i sensi. L’ha messa sotto un temporale, se resiste vuol dire che è destino e se invece affonda, beh, meglio prima che dopo. E se alla fine non resta, ci perde lei. Non dirgliela mai questa cosa però. Mai. Hai capito?».

Troppo tardi, con Luna ci si erano macellati. «Ma non eri tu che dicevi che l’amore è una guerra, che ci voleva il pugno duro, che bisognava mettersi la vernice mimetica e bruciare tutto, portarle al tavolo delle trattative in ginocchio, costringerle ad arrendersi su tutta la linea?». 

Frison aveva scosso la testa a occhi socchiusi «Vedi cosa succede ad ascoltare ‘sto testa di cazzo?».  

«Non l’ho fatto» Ballerini gli aveva scoccato un’occhiata come a dire di non rompere i coglioni.

«La cosa più difficile che nessuno ha mai imparato, è come amare e come essere amato» Boscolo gliel’aveva recitata manco fosse imbarazzato.

Ballerini si era sotterrato la faccia tra le mani e Rampino l’aveva abbracciato e continuato il verso «Tristezza, mia più vecchia amica, amara del tuo amore è la mia vita, ma se sei con me so che non è finita». 

A quel punto non ci aveva retto più. S’era sbriciolato. Certe volte a Ballerini pareva che fossero le canzoni a precederli o che cantare una cosa in fondo volesse dire metterla in moto e stare a guardare. «Basta». Boscolo aveva spento tutto «Rompete le righe». Frison aveva strabuzzato gli occhi e Rampino s’era tirato su come un cane sotto ultrasuoni. «Andate a casa» Boscolo aveva preso Ballerini sottobraccio, fatto gesto di non seguirli e se l’era tirato dietro verso il bar.

«Perché scappa?» aveva biascicato Ballerini dopo un numero vergognoso di shottini, spiaggiato con la testa sul tavolo che odorava di fritto, alcool stantio e del suo profumo. Quando stava male, per la legge del contrasto, se ne spruzzava addosso il quadruplo. 

«Per quel che vale, non credo stia scappando da te» Boscolo l’aveva sputazzato ingozzandosi di patatine, fondino necessario per stargli dietro, sapendo che quei bicchieracci vuoti sul tavolo sarebbero raddoppiati. Era una sera calda afosa in cui si sudava a star fermi. 

«Non me lo merito. Sono sempre stato onesto con lei, avrei potuto scoparmele tutte».

«Forse avresti pure dovuto, ma io ti rispetto per non averlo fatto, sul serio, forse lo capisco solo adesso, ma per te, tradire lei significava smerdarla tutta. La bellezza. La promessa. E tu non sei così Il cielo è dei violenti è vero, ma tu non sei un violento tu sei il cielo». 

«Eppure mi ha trebbiato».
«Succede anche ai migliori… di fronte all’amore non ci sono vincitori».
«Mi trovi patetico?» Ballerini si era tirato su.
«Al contrario, Il fatto è che tu sei quasi invincibile, non sei abituato a cadere, e quando cadi ti sfracelli. Ma non ti preoccupare, ti rialzerai. Noi siamo qui. Io sono qui».
«Non credevo avresti fermato le prove. A volte, quando suoniamo ho l’impressione che per te non siamo nemmeno più persone, parte della band e basta».
«Non le ho fermate. E certo che non siamo più persone».

Ballerini l’aveva guardato stranito, torcendo il viso «Ma cosa ho sbagliato secondo te?».

«Forse hai fatto tutto giusto e il problema è proprio questo. Lo sai che ti voglio bene vero?». Boscolo aveva fatto uno sguardo dolce e ordinato un altro giro.
«Tu mi avevi avvertito, non ti è mai piaciuta, e io non mi sono fidato».
«Lascia perdere, io non faccio testo, non sopporto la mia di ragazza, figurati quella degli altri». 
«A te non è che non piace lei. È che non ti piace amarla. Sei uno stronzo. E pure fortunato».

A questo Boscolo era rimasto zitto e si era grattato la nuca, per poi alzare le spalle. «L’amore non ha rime e…» aveva cercato le parole nell’aria «Amare così tanto è già… conoscerne la fine». 

«Non ci credo. Stai pensando di usare questa roba per una canzone?». Ballerini era altrove, né arrabbiato né stanco, lo raggiungeva solo con un mezzo sorriso rotto sulla bocca «Ogni riff che ho suonato mi ha allontanato da lei, è il motivo per cui non sono stato con lei, pure quando c’ero».
«Ma che discorsi sono?».
«Note come centimetri, è questo che ti sto dicendo» avrebbe voluto aggiungere che quanto pensato come contrappunto s’era ridotto a un duetto persino più solitario dell’assolo e invece «Volevamo crederci ancora vicini e invece siamo sbucati tutti e due al freddo e al buio».
«Ascoltami cazzo, io lo so che la bellezza fa promesse che non può mantenere. Ma fidati, astro mio livido, è molto meglio essere lasciati che lasciare. Molto. Chi è abbandonato vince sempre. Può dimenticare. Ha le canzoni dalla sua, chi lascia non ha canzoni, non ha nessuno. Ad amare non si sbaglia mai, ad essere amati sempre. E questa sì è una canzone. Per te».

Ballerini gli aveva lanciato un’occhiataccia come a dire: se continui ti rompo il muso. Allora lui s’era avvicinato e messo con l’indice sulla bocca come a dire: zitto, ascolta «Quello che sto cercando di dire è…» questo l’aveva scandito piano, manco avesse sentito effettivamente qualcosa attraverso la risacca di fondo del bar «Il silenzio è morte».

«Eh?». 

Boscolo era scattato avanti e l’aveva stretto forte «Ringhia e piangi se devi, fratellino, ma meglio ringhiare che piangere». 

***

«Che si fa eh brodo? Che si fa?» uno dei Sancta, parecchio sgorillato, aveva allacciato una scodella in testa a un altro, anche lui sbronzo, mazzolandolo con un neon a cilindro svitato chissà dove.

«Insisti, persisti, resisti!» ripeteva il secondo a farsi legnare sempre più forte. Fogher passò di là e gli rubò la lampada dalle mani, mollò uno scappellotto al primo e una piattata sul casco al secondo. Sopra di loro volavano rotoli di carta igienica come stelle filanti. Come da tradizione, anche dopo l’ultimo concerto, la festa era un macello. Tra membri della crew, altre band e ospiti erano cinquanta e passa pressati nella stanza, strippati, urlanti e poco vestiti. Faceva caldo. In sottofondo da un paio di casse usciva un’elettronica battente. C’era odore di sigarette truccate, fotta e guai. Non sarebbe stata la prima volta che li buttavano fuori da un albergo. Boscolo era salito su un tavolo, aveva stappato una bottiglia e spruzzava spumante a pioggia. Frison, con la bocca aperta e la lingua di fuori, cercava di rovesciare il piano e istigava la gente a far peggio. I La Nuit saltavano in groppa ai tecnici, gli Sturmfrei, ballavano coi bicchieri alzati e si rimpallavano una boccia con un gruppetto di ragazze. Pure Ballerini stava lì sotto a braccetto con due bionde, la prima parecchio carina, una gazzellona in shorts e canotta, pezzata sotto le ascelle, con le tette a idroscafo e le gambe lunghissime e lustre, ancora semi sobria, la seconda in mini-gonna e micro-top fluo, piccola e salterina, che pareva aver troppa energia per il tappetto che era, piatta, ma col culo tondo e tonico, meno belloccia ma comunque spigliata, biondo-crinita e in botta. 

«Ma non vi pare sia ora di chiuderla?» Fogher si fece largo fino a loro.
«Abbiamo appena iniziato» Ballerini prese le tipe e le portò verso il bagno, Boscolo saltò giù, lascio la boccia a Frison e si affrettò a seguirli quasi inciampando su un’altra bottiglia a terra.
«Tu non vai?» sbuffò Fogher.
«No» Frison succhiò a canna, sul naso un paio d’occhiali a tapparella tutti storti «Io sono contro per motivi ideologici, sì, è tutto un commercio anche quello, la droga ingrassa le mafie e basta. È una bella melassa. Gelatina potassa. Madonna mi sono proprio smerdato me lo reggi un attimo?» gli allungò il vino «E poi ‘sto modo di trattare le ragazze non mi piace per nulla no per un cazzo proprio. Pensavo che ‘sto giochino delle rockstar del cazzo fosse finito da un pezzo. Io preferisco stare con la mia donna anche se non la vedo mai piuttosto che mille tipe invisibili».

«Vero. Bravo. La piccola fame non scaccia la grande» Fogher gli allungò tre compresse: antiacidi, vitamine e fermenti lattici. «Non c’entrano niente» Qualcuno fece cadere una lampada, altri montarono sul divano e presero a ballare lì sopra.  

Frison buttò giù «Sì, tutto vero eh, ma la verità vera è che sono stufo marcio di vederli sempre vincere, figurati se ho voglia di sbirciargli pure il pisello. No. Non li invidio per un cazzo però, sia messo agli atti. Vinco anche io, ho già vinto. No. Comunque che hai detto? Hai fame? Pure io. E da quando ti preoccupi così tanto?».

«Da quando siete diventati degli stronzi fatti e finiti».
«Finiti?».
«Vi preferivo prima».
«Questa l’ho già sentita. Comunque ti ho capito sì. Ma adesso piacciamo ai ragazzini, alle ragazzine e chissà forse pure alle mamme e ai papà, piacciamo a tutti. Non ci dici bravi? Non sei contento?».

Fogher scosse la testa, rimase un secondo lì, si passò una mano sulla faccia, strizzò gli occhi e sospirò «Dove cazzo è quell’altro? Come cazzo sarà preso?».

«Io non lo so e tu non lo vuoi sapere».

Fogher era un vero scassapalle, ma si dilaniava per loro. Faceva da manager, agente, direttore di produzione, contabile, responsabile social, preparatore atletico, motivatore religioso, guardia del corpo, massaggiatore, psicoterapeuta, mediatore terroristico, venditore di merch supplementare, madre surrogata. Organizzava giornate, spostamenti, interviste, servizi fotografici, mandava mail a ogni ora del giorno, controllava che il bus fosse sempre rifornito, teneva in riga il resto della crew, negoziava le condizioni d’ingaggio, s’informava sui promoter e sui locali, risolveva problemi coi contratti e l’equipaggiamento, li portava a cena, andava a prendere ovunque, ascoltava provare, piagnucolare, biascicare e smandibolare, li divideva quando litigavano, spalmava di voltaren quando c’andavano troppo duro, metteva a letto impaccati di antibiotici e cortisone quando si ammalavano e ci mancava poco che gli desse pure il bacio della buona notte. Pigliava una percentuale standard. Come tutte le troie vere, non lo faceva solo per i soldi. Pur avendo ben presente come fargliene e farsene. Per questo, quando li prendeva a parole o a pedate, incassavano senza offendersi. Ultimamente però si prendevano a testate sempre più spesso, lui era un monaco straight edge dal nitore smussato come potevano diventare quelli che c’avevano dato troppo dentro e s’erano impauriti. Loro invece erano senza catene, non solo bevevano come autobotti, ma avevano iniziato pure con altro. Ballerini reggeva qualsiasi cosa senza scomporsi troppo, persino acidi e funghetti che però l’avevano stufato presto, appena capito che non aiutavano a comporre. Non lui almeno. Preferiva una spruzzata di ketamina o un bell’ossicodone per non sentire più un cazzo. Non cercava l’ispirazione ma il nulla. Boscolo alternava coca e anfetamine per andare su, benzo e barbiturici per tornare giù. Si era fottuto per bene il sonno. Già prima c’andava pesante coi sonniferi, ma ormai gli era difficile staccare la spina pure con dosi da cavallo. Frison e le sue quindici birre a sera, in confronto, parevano un’oasi di moderazione. Il problema vero però era Rampino, che sebbene preferisse un bel cannone, mefedrone, popper o GHB, si calava qualsiasi cosa su cui riusciva a mettere le mani, eroina esclusa. Rischiava comunque di restarci secco o almeno sotto, soldi e paura non li aveva mai avuti e ora era un casino. Dopo il Pitchfork Festival, si era fatto di chissà cosa e svarionato, prendendoli a morsi, ribaltando il tavolo del ristorante e scappando via per Parigi. C’erano volute cinque persone per riprenderlo e calmarlo sul lungofiume allo stesso chiosco ormai chiuso dove nel pomeriggio aveva insistito per buttare giù tre cornetti di fila. Da quel momento provavano a starci attenti, a buttarci l’occhio che manco avevano per sé. Qualche volta, però, riusciva lo stesso ad arraffare qualcosa e allora arrivederci. A volte sbroccava, altre non riusciva più a muoversi o riconoscere gli altri o nemmeno sé stesso e chiedeva «Dove siamo?» o «Chi siete?» con gli occhi orlati di rosso, pallidi e indifesi.

Mentre batteva da dietro la stangona bionda, piegata in avanti dentro la vasca da bagno, con uno schiocco secco e gli occhi chiusi, pure Ballerini spiralava su dove fosse Rampino e se stesse bene. Aveva sicuro preso il largo per qualche avventura spassosa e infima eppure lui a star tranquillo non riusciva. Boscolo, nel frattempo, stava scopando l’altra bionda, la piccolina, seduto sul cesso, su e giù sul pisello con quei braccioni che gli erano venuti. «E se finisce con qualche vecchio merdoso che gli attacca qualcosa?» scappò in sbuffo a Ballerini, la ragazzotta non capì e fece per voltarsi ma lui la ributtò giù e riprese a battere più forte. «Eh?» Boscolo soffiò e continuò sbatacchiarsi la tipa. Lei gli stringeva una mano al collo e l’altra se la mordeva che pareva mangiarla, dagli inguini le gocciolava un rivolo sulle piastrelle già luride per le pedate di chissà chi. Ballerini manco si era spogliato, abbassato i pantaloni e basta, la camicia aperta fino all’ombelico puzzava di fumo e vino «O un bastardo che gli fa delle foto e lo ricatta?». Boscolo gli fece il dito medio senza guardarlo, con l’altra strizzò una tetta della tipa, anche se c’era ben poco da stringere, le diede una leccata a bocca aperta e poi rimase lì col muso premuto. «O gli fanno del male» Ballerini mollò un cazzotto al muro e digrignò «O gli spezzano il cuore?». La tipa sotto ebbe un sussulto e poi ansimò una risatina. La piccoletta non ci fece neanche caso.

Erano tutti abbastanza avanti, nel naso quasi un grammo a testa. Boscolo grugnì. Ballerini sbuffò a denti stretti e si allungò a prendere la tipa per le spalle e rifilarle delle bordate più secche. Quella fece un verso acquoso, aveva il culo tutto lucido di sudore. Lui buttò indietro la testa, rovesciò gli occhi come a slanciarsi oltre il soffitto. Già questi pensieri gli trapanavano il cranio, ma a volte ci si infilavano dentro pure certe eco retiniche di Luna, e ridicola gli saliva la speranza che la tipa che stava scopando questa o quella volta si girasse e fosse lei, che quel corpo casa fissato ad occhi chiusi, escluso a mani aperte, emergesse tra le pieghe della pelle estranea, dispiegandosi dal cavo dietro alle ginocchia o tra le ascelle. A rendersi conto che non era così e forse non lo sarebbe stato più, gli prendevano certe fitte ai polmoni e respirava forte, a bocca aperta, come un macaco del cazzo. Si girò verso Boscolo «Basta». Non sapeva cosa lo sconquassava di più. Boscolo si fermò, smontò la piccoletta di peso e strusciò il naso sul piano del lavandino dove avevano sistemato le raglie. Qualcuno batté sulla porta. Anche Ballerini smise di spingere. Il cazzo gli si era smosciato, in verità con quello che avevano pippato era già un miracolo che gli tirasse e fossero riusciti a srotolarci un goldone sopra. Ballerini se lo strappò via e lo gettò nel cestino. Boscolo prese su mutande e pantaloni e recuperò la maglia a terra «Scusate ragazze, dobbiamo andare. Forse torniamo». Le due tipe, una in piedi a dondolarsi tra le scarpe e i vestiti, l’altra ancora piegata giù lo guardarono con gli occhi pesti, rimasero un secondo stordite e fecero per dir qualcosa ma «Ciao» Boscolo prese Ballerini per un braccio e lo trascinò fuori ancora con la patta aperta. Ballerini superò la gente e la stanza come fosse cieco o inseguisse gli occhi andati già oltre. Uno degli Sturmfrei era collassato dentro il frigo, svuotato dai ripiani, una bottiglia in braccio.

«Mi pareva di avere il pisello in una fontana, non sentivo un cazzo. Comunque secondo te si considerano scopate? Io le considero scopate. Dopo chiamiamole però, non siamo stati molto carini» scendendo per le scale Boscolo si ravanava il pacco per sistemarlo, tirò su il preservativo che gli era rimasto incollato e se lo lanciò dietro le spalle «Donne. Non puoi vivere con loro e non puoi vivere senza di loro eh?».

Ballerini era sempre due gradini avanti «Comunque va fatto» buttò lì, la faccia già nel cellulare.

«Quale delle due?».

Non gli rispose. Lungo le scale un tizio che stava lì a girarsi una cicca fece per trattenerli «Oh ma dove andate?». Loro fecero un cenno e continuarono a scendere, la musica si faceva più lontana, le percussioni ridotte a un battito scavato. Frison non si trovava. Fogher aveva scritto che arrivava. Quando scesero in strada, mentre Ballerini chiamava per la quinta volta Rampino che dava sempre segreteria, una ragazzina lì appostata puntò Boscolo a passetti veloci, lui le lanciò uno sguardo a suo modo gentile come a dire: grazie cocchina bella ma stasera abbiamo già dato. Ma lei stringendo i pugni, con gli occhi rossi e lucidi gridò tutto d’un fiato «La tua canzone è bugiarda! Non è vero che smette di fare male, che passa, che dopo il momento più buio viene l’alba, se il dolore ci rende più forti perché mi sento così debole?». 

Boscolo strabuzzò gli occhi, pietrificato e si girò verso Ballerini che nemmeno l’aveva registrata e gli fece solo spallucce come a dire: il solito. Pure Boscolo in un mezzo battito le aveva fatto la tac. La classica pazza della prima ora, si era pensato, nostalgica del cazzo che chiede alla sua band del cuore di buttare fuori sempre la stessa musica, non tradire, non cambiare mai. Un problema banale nel giro loro, anche se di solito erano solo vomiti e pugnali nei commenti. Nessuno veniva mai a dirti queste cose sul muso, eppure la moretta continuò «Come osi parlare della mia tristezza se non la conosci?». Aveva i capelli ad altezza spalle, arruffati. Gli occhiali grossi, rossi. Una specie di body nero sintetico che si allungava nei pantaloncini aderenti a metà coscia. Sopra una giacchetta leggera con la zip. Il tatuaggio di un gattino, collarino. Carina. Sedici anni o poco più. «Tu hai detto che volevi che il mondo bruciasse ma non hai dato fuoco a niente! Io ero disposta a bruciare tutto per te, a darmi fuoco per te, ma non dicevi sul serio, tu sei parte di questa merda come tutti gli altri» Allora Boscolo marinato nell’alcol e nella coca, con gli occhi bordati da un alone viola fece come per abbracciarla, ma lei sussultò e gli mollò un cartone sul muso a piena forza. Poi saltò indietro e rimase un secondo lì a guardarlo in tralice e ribollire. A quel punto piombò a corsa un gruppetto di ragazzini amici suoi e pure Ballerini fece un passo avanti e si scoprì persino sollevato all’idea di una zuffa. Scrocchiò le nocche. Mai toccato una donna, nemmeno con il proverbiale fiore. Neppure un uomo se era per quello. Però in quel momento l’idea di mollare una labbrata anzi di pigliarla, gli sembrò addirittura confortante. Finché pensava quella cazzata, gli amici della tipa la presero di peso e la trascinarono via. 

Boscolo non si teneva la faccia, premeva invece una mano sul cuore «Anche se non lo vogliamo, è la somma delle nostre ferite che ci rende chi siamo!» le urlò dietro fortissimo, così che la sbarbina lo sentisse dalla fine della via. Aveva gli occhi sbarrati, il collo proteso. 

Ballerini rimase lì, indeciso se dare un calcio almeno a lui o abbracciarlo, si chiese se fosse realmente così o se quel cazzo di venditore di speranze ci credesse davvero o pure lui se la stesse solo raccontando.